Desde el 2007 lleváis Kings Of Makaha en el fabuloso mundo de los instrumentales, ¿qué nos podíais resumir de todos estos años como grupo?
Bueno en el balance creo que ha sido pisitivo ya que hemos grabado 2 discos,tocado en unos cuantos de los mejores festivales nacionales como FUNTASTIC DRACULA CARNIVAL,FREAKLAND,SURFORAMA,BIG RUMBLE,PURPLE WEEKEND ademas de otros campeonatos de Surf como LONGBOARD SALINAS,COSMIC CHILDREN,etc aparte de bolos por Madrid,Galicia,Santander y en gran parte de Asturias.

Empezasteis de trío, más tarde se unió Pedro y como cuarteto seguís en estos momentos, ¿cómo fue ese paso de trío a cuarteto?
Pues,supuso una evolución en el sonido otro instrumento solista nos dio mayor empaque y mas versatilidad.

En el 2011 debutáis en disco con un 10 pulgadas con titulo igual al nombre del grupo y ahí se vio el potencial instrumental del grupo en ocho temas de los cuales seis eran versiones,uno propio y una adaptación de un tema tradicional minero, ¿satisfechos con este debut?
Si ya que se grabo en unas 8 horas de estudio y muchas eran primeras tomas Mike hizo un buen trabajo y también Alex Cash nos hizo el diseño en un tiempo record estuvo bien,de echo ya no quedan copias se ha vendido en su totalidad.

A partir de ese momento, ¿cómo habéis ido desarrollando los sonidos del grupo hasta la grabación de este segundo disco?
Seguimos incorporando temas a nuestro repertorio, unos con vista a grabarlos y otros tan solo para tocarlos en directo ,y también alguna idea que había para algún tema propio.

Vuestro nuevo trabajo se llama “En ebullición”, ¿cómo ha sido la preparación del disco?
El disco se llama en ebullición porque nos pareció y titulo acorde con el contenido del disco y porque nos gustaba como sonaba.Intentamos que el disco fuera lo mas variado posible y también incluimos 2 temas cantados,asi que entre los surcos de este vinilo podrás encontrar,Twist,r’n’b,frat,soul,garaje,etc

Volvéis a los Estudios Circo Perroti contando otra vez con la ayuda de Jorge Explosion y Mike Mariconda, ¿qué han aportado ambos a este nuevo trabajo?
Pues Jorge hizo de técnico y Mike se encargo de la producción, Mike conoce muy bien al grupo ya que el anterior disco también nos lo produjo el e incluso a tocado con nosotros alguna vez y es un gran amigo,como siempre hizo un gran trabajo.

¿Que evolución tiene este nuevo disco a diferencia del anterior?
Yo creo que la evolución esta ejecución del grupo y producción ya que suena mejor que el anterior. También hemos tenido mas tiempo para seleccionar los temas ya que el otro fue simplemente incluir temas que teníamos en el repertorio.

Es un disco ultra bailable y divertido a la vez con una descarga energética de primera linea,¿El titulo del disco lo dice todo “En ebullición?
Pues nos mola que opines esto ya que es lo que queríamos conseguir que el disco fueran bailable y divertido,es decir lo mas parecido a un concierto del grupo y el titulo del disco creo que define bastante bien el contenido del disco.

El disco contiene once temas,diez versiones y un tema propio,¿Como habéis elegido las versiones para este disco?
Pues hemos intentado coger versiones que no estuvieran muy sobadas y teníamos en nuestro repertorio,pasándolas por el filtro Makaha.

Demostráis en todo momento hacer honor a estas versiones con la fuerza demostrada y desarrollada a lo largo del disco, ¿cómo se trabaja cada versión?
Pues alguien la sugiere y la trae al local,la escuchamos y luego la tocamos,si hay que cambiar algo para que resulte lo hacemos, luego la alargamos o le añadimos o quitamos algún solo según proceda y miramos un tempo en el que nos sintamos cómodos y transmita energía.

Buenos arreglos rítmicos con una excelente ejecución en cada tema son dos items que contiene este “En ebullición"¿Como le queríais dar el toque propio de Kings of Makaha a cada versión?
Creo que esta pregunta esta respondida con la anterior.

La portada del disco tiene mucho atractivo como el disco de Twist,la fender y la tabla de surf, ¿de quién emano tan magna idea de la portada?
Se me ocurrió a mi,pensaba en algo que pudiera definir al grupo para alguien que no lo conociera solo viendo la portada, que se hiciera una idea por donde iban los tiros,es decir que utilizamos todos estos estilos Surf, Twist,etc que no se trata de un grupo de surf al uso sino que tocamos mas palos.Por cierto el diseño corre a cargo de nuestro gran amigo Alberto Alvarez Lorences que hizo un trabajo inmejorable (muchas gracias Berto)

Ahora tocara los momentos del directo del grupo. ¿podéis confirmar próximas fechas de presentaciones del disco?
Hasta ahora hemos tocado por Galicia (Coruña y Santiago) y Asturias (Gijon,Oviedo) tenemos cosas en el aire,pero ya sabes que en lo que al r’n’r respecta no estamos viviendo buenos momentos, así que habrá que apretárselos machos y tirar pa alante.

Habéis tocado en varios festivales, para este año ¿Formareis parte de alguno de ellos?
De momento aun no nos han llamado de ninguno

Para finalizar, ¿cómo habéis visto la escena instrumental española en el 2012?
La escena instrumental patria creo que goza de buena salud nuevos trabajos de Imperial Surfers, Born Losers, Derrumbes, etc dan cuenta de ello aparte de los demás mas noveles que están intentando hacerse un hueco.

Muchas gracias
De nada salud y euros para todos.

Fotos: https://www.facebook.com/groups/129071300443286/

En The Real Me se nota las influencias británicas en vuestra música, ¿Cómo habéis querido llevar estas influencias a vuestro repertorio musical?
Para mí es la cosa más natural del mundo, soy inglés y he crecido con la música británica y también de USA. Hoy en día vivimos en un mundo global y me cansa un poquito la pregunta: <<¿por que no cantas en castellano?>> Las letras de las canciones aparecen en el disco, ¡asi que en un proyecto didáctico tambien!

¿Cómo se trabaja cada tema en composición y sonidos dentro del grupo?
Normalmente yo hago las canciones en casa con la guitarra acústica y luego en el ensayo los otros se sienten más o menos libre para interpretarlas como ellos quieren. Del disco la única excepción ha sido “Be Right On”, la cual empezó con un riff de guitarra de Paco. Yo escribí las letras y un poco más de música para terminarla. Curiosamente, creo que es mi preferida del disco!

Ya tenéis publicado vuestro primer disco de debut titulado “Soul on fire”, ¿cómo fue la preparación de este disco?
Una experiencia interesante, divertida, a veces frustrante y sobre todo agradable. Lo grabamos en el estudio RocknRolla de Almería y con el apoyo de algunos amigos, entre ellos Fran Guirao de Second, tocando teclados en algunos temas y Miguel Angel Calabuig de The Shake en los coros. Los chicos de Nixar Wind añadieron los sonidos ‘soul’ con sus trompetas etc… Estamos bastante satisfechos con el resultado.

¿Para la grabación del disco llevasteis todo concretado para los temas del disco o fueron surgiendo pequeños matices que dieron lugar a algun cambio?
Más o menos eran como los tocamos en directo, pero con toques de teclado y viento, como he dicho antes. No quisimos hacer grandes cambios o meter más cosas en los temas porque resulta más difícil tocarlas en directo, pero para algunos temas faltaban estos adornos para que sonaran como debieran sonar.

¿Es un disco auto-producido por vosotros mismos?
Entre nosotros y Jonny, el dueño y técnico del estudio. ¡No tenemos recursos para contratar un productor ! quizás para el próximo disco...Pero esta fue la parte más frustrante del proceso, intentar sacar el sonido que buscábamos y dar muchas vueltas en el proceso.

El resultado es unos fulgurantes temas de pop-rock con mayúscula a lo largo de doce temas en donde también se vislumbran en algunos temas toques de pop energético o reminiscencia de Love en un tema, ¿es un disco de pop-rock pero dentro de un abanico de sonidos diversos?
Eso es lo que queremos, no imitar a nadie sino tener nuestras propias influencias bien metidas dentro del sonido. Tienes razón sobre el tema que suena a Love; y en general, yo noté un sonido muy ‘west coast’ que no sabía que estaba dentro de nosotros ¡lo cual me sorprende un poquito!

A través de “Soul on fire” nos encontramos con guitarras frescas mas unas excelentes melodías todo ello aderezado con unas vibrantes armonías vocales, ¿son fundamentales para la banda estos tres items que hemos nombrado?
Pues si, es una buena base para este tipo de música aunque conseguirlo no es nada fácil. Dicho esto, yo he escuchado la música con melodía toda mi vida, así que no sé hacerla de otra forma.

¿Qué me podéis hablar de “Schizophrenic love”?
Musicalmente es un tema de pop-soul, en el estilo de The Style Council pero al final suena mas como Santana.  Las letras hablan de falta de comunicación entre una pareja.

Continuamos con “Rosemary”.
Rosemary es un chico que le gusta ponerse la ropa femenina pero no tiene el coraje para salir fuera así. Las letras son de él hablándose a sí mismo ante el espejo como si fuera un amigo apoyándole con unas palabras de ánimo. Musicalmente es un tema de rock que me recuerda a Badfinger aunque otros piensan que suena a Teenage Fanclub.

Terminamos con “Indian summer”
Vale, pues es mi homenaje a Stax o Atlantic - no llega a esa altura, claro, pero con las trompetas tiene un toque soul de los 60. Letras tontas buscando frases como si fuera una película de esa época, es una mezcla entre Paul Weller y Austin Powers… puede ser Beck!!

Este disco lleva la marca de Clifford Records y además contando que tiene su referencia en vinilo, ¿fue fácil llegar a un acuerdo con el sello?
Fácil no era. Laureano es conocido como el Phil Spector de Almería. Es poco previsible pero al menos no lleva pistola en mano. Es broma, siempre pensamos en sacar el disco con Clifford, pero tuvimos que esperar para un hueco en el calendario. Esta ha sido la única cosa complicada.

¿Nos podéis anunciar próximas presentaciones del disco en directo
Después de conciertos en Almería y Murcia en Abril ya toca Madrid y Granada pero las fechas están para confirmar. Luego volvemos a la escena local con el festival Pulpop en Julio.

Muchas gracias.
Un placer.

Fotos: http://www.facebook.com/therealmefan/

Con la edición de este año se cumplen diez años desde que el Surforama inicio ese recorrido de plasmar los sonidos de los instrumentales y surf en un Festival lleno de calidad y de primer orden tanto en los participantes nacionales como internacionales, ¿cual fue la clave para el inicio del Surforama hace diez años?
Hola Profe! En primer lugar, comentar que no se cumplen 10 años de festival, sino 10 ediciones, ya que durante 3 años estuvimos realizando simultáneamente dos ediciones anuales, una en Valencia y otra en Madrid. Ahora hemos decidido unir fuerzas y hacer una única edición valenciana, más próxima al mar y al verano, ya que también hay cambio de fecha.
La idea del primer Surforama nace de una pequeña fiesta que montamos allá por el 2004 con The Vibrants, Chewbacca´s y Los Pataconas. Pero el punto de inflexión, para ponernos manos a la obra, fue la visita que hicimos al R.I.T.O. (Reverb In The Olivas). Este era un festival de surf que se hacía en Úbeda y que hace poco regresó de nuevo con una edición navideña. Ver lo increíble que era ese festival fue lo que me impulsó a comenzar con el Surforama.

Hasta estos momentos, año tras año, ¿qué resumen breve me puedes contar de estos diez años de Surforama?
Es complicado hacer una valoración global de estas diez ediciones ya que cada una ha tenido su momento inolvidable. Ese sería un buen resumen: momentos increíbles.
El primer año fue una sensación combinada de agotamiento y felicidad, por ver que todo había salido bien y, sobretodo, que la gente se lo estaba pasando bomba.
Los conciertos siempre han sido memorables, pero emotivamente destacaría las actuaciones de dos leyendas pioneras del género como son Eddie Bertrand o Nokie Edwards, la locura que montaron los Phantom Surfers, u organizar la primera y única visita a Madrid que hicieron los finlandeses Laika and the Cosmonauts, los padres del surf revival europeo. Pero realmente el Surforama ya va mucho más allá de la música surf y se ha convertido en una gran fiesta de rock n roll.

Desde tu punto de vista, ¿ha cambiado bastante la escena instrumental en este país desde hace diez años?
La escena ha ido fluctuando con el tiempo. Hemos pasado de no tener prácticamente movimiento a tener varias bandas en cada ciudad, para volver a pasar unos años con menos bandas y hasta ahora mismo, que creo que el panorama surf goza de una buena salud, en cuanto a cantidad y a calidad. No solo contamos con la gran cabeza visible del género instro que son Los Coronas, cuyo éxito comienza a extenderse por todo el mundo, sino que también contamos con un buen montón de bandas sacando discos y actuando continuamente.

Juan Diego, me podías decir ¿cuales han sido los momentos más emotivos de estos diez años de Surforama?
Yo generalmente disfruto por partida triple en cada edición; como músico, como espectador y como organizador. Uno de los momentos más emotivos que engloba las tres facetas sería el concierto con Eddie Bertrand. Se unieron muchos factores que lo hicieron especial. Desde las dificultades para contratarlo a todo lo que vivimos con él en su estancia en Valencia. Pero la magia ocurrió encima del escenario, en dónde fluyó una energía que jamás había sentido, al escuchar de las manos de un padre de la música surf temas clásicos como “Squad car” o “Mr. Rebel”. También, a nivel personal, destacaría la que ha sido la única visita a España de Nokie Edwards (The Ventures), uno de mis ídolos de todos los tiempos. Ese concierto se resume con una sola palabra: felicidad.
Y por último destacaría dos momento que se suelen vivir en todas las ediciones. Las pinchadas postconcierto, donde se crea una sinergia entre público con músicos y DJ’s que hace que la gente siempre se vaya con un gran sabor de boca. Y el otro momento son las “cocktail parties”, que son conciertos gratuitos que realizamos al mediodía y donde la gente va con la mima mentalidad de pasárselo bien, pero por la mañana. Muchos acuden con sus hijos y a otros se les tiene que pedir amablemente a las 7 de la tarde que abandonen la sala porque hay que limpiar.

¿Cómo es la preparación del Festival desde que acaba una edición hasta el primer día del festival siguiente?
Bueno, la verdad es que no hay un momento concreto. Durante todo el año te van viniendo grupos a la cabeza, los apuntas y vas probando. Muchas veces no es fácil conseguirlos. Siempre que termina una edición, suelo decir que ha sido la última. Es tal el agotamiento que no puedes pensar nada más que en descansar, pero a los pocos minutos te viene a la cabeza una banda que te encantará traer y se te olvida lo de dejarlo.

Para este Surforama 2013, ¿qué planteamientos queríais darle a la edición de este año?
El planteamiento básico es el de montar una fiesta, una gran fiesta. Y creo que la selección de grupos ha quedado perfecta para conseguirlo. Es un cartel donde todos los grupos ven el rock n roll por el lado más lúdico y divertido. Ese es nuestro objetivo, que la gente se vuelva loca bailando y pasándolo en grande, algo que, en los tiempos que corren, parece ser lo único que nos queda.

Tres días de autentico lujo de grupos, en donde la diversión esta mas que asegurada con un cartel muy fuerte de participantes empezando por Los Coronas que presentaran su nuevo y extraordinario trabajo “Adios Sancho”, ¿qué nos puedes decir de los Coronas?
Recurriré al tópico de “que puedo decir yo de este grupo que no se haya dicho ya”. Los Coronas han alcanzado un nivel increíble, de alcance mundial. Y, sinceramente, se lo merecen. Tengo una debilidad especial con ellos, porque fue de lo primero que conocí de grupos actuales que me ayudaron a abrir esa puerta del surf. Tengo gran aprecio a todos sus miembros y sé que han trabajado mucho y muy duro con este proyecto. Un proyecto realmente ambicioso, conseguir ser un grupo de talla mundial, practicando un estilo como el instrumental y el surf, me parece digno de héroes.
Con este último trabajo han demostrado ser grandes conocedores de su estilo pero también de la música en general, mostrando influencias de todo tipo. Son unos maestros. De cara al Surforama, por todos es sabido que uno de los puntos fuertes de Los Coronas es su directo. Es demoledor. Nunca defrauda. Nos parece un buen bocado para comenzar a comernos esa paella de surf rocknroll que hemos preparado.

Desde Japón nos llegan el lujo de tener en el Surforama a las 5.6.7.8’s en única actuación en Europa, ¿ha sido una apuesta fuerte el conseguir que viniera este grupo?
Ha sido la gran apuesta del festival. Es un grupo difícil de conseguir por muchas razones. Y a nivel logístico también es complicado ya que vienen desde Japón. Hace doce años que no pasan por España. Pero creemos que las 5678´s resumen lo que sería el espíritu del festival. Surf, rock n roll, diversión, despreocupación y toneladas de reverb.

Continuando por otros participantes de lujo dentro del festival nos encontramos a The Phamton Surfers y The Hi-Risers, ¿dos grupos de primera linea demostrado tanto en disco como en los directos?
Si ambos tiene ya demostrada su grandeza. Los Hi-Risers han escrito, y siguen haciéndolo, una página importante en la historia del rock n roll actual. Ahora mismo creo que hay pocas bandas en el mundo con esta calidad musical y de directo. Su rocknroll es poderoso, frenético y hecho con mucha calidad. Siempre que los he visto me quedaba totalmente flipado viéndolos tocar.
Lo de los Phantom Surfers es otra historia. Este es el gran grupo de todo lo que se refiere a la cultura del surf instrumental y todo lo que la rodea: el hot-rod, la serie B, la reverb, los instrumentos , el lo-fi y, sobretodo, su directo. Estos son los auténticos grandes desvergonzados del surf, una banda que se burla hasta de su propia sombra. Y después de 25 años y de recorrerse el mundo entero siguen siendo, con perdón, “los putos amos” de este rollo.

Juan Diego sigue desglosándonos mas participantes internacionales
Bueno pues por ir por orden.
The Barbwires: Su líder, Mike Barbwire, es uno de los grandes talentos del surf. De su genialidad nació la sintonía de El Sótano de Radio 3, “El Sótano calling”. Su trío primigenio es una banda muy enérgica y practica un surf con estética clásica pero con una potencia arrolladora. Además, presentarán en primicia la edición en vinilo de su álbum “Searider”, un disco editado en 2008 en formato CD que lleva años descatalogado.
Surfer Joe & his Boss Combo: este es un grupo italiano del ya mítico Lorenzo Surfer Joe, un agitador de la escena surf desde hace un montón de años y organizador del Surfer Joe Festival en Livorno (italia). Es un grupo que se nutre de grandes versiones imposibles y temas propios de gran calidad.
MFC Chicken: creemos que este va a ser el grupo revelación del festival. Banda formada en Londres que practica un frat-rocknroll fresco y con mucho rythm & blues. Además es importante meter grupos con temas vocales para romper la línea instrumental de otras actuaciones. Apostamos plenamente por el directo de estos pollos.
Sin duda creo que el aliciente de todos los participantes en el festival es el directo.

A nivel nacional esta vez toca turno en el Surforama a Mambo Jambo y Los Tsunamis
Los Tsunamis son de Úbeda, ciudad franquicia del surf y el rock n roll de este país. De allí solo salen grupos ingeniosos, de calidad y divertidos. Los Tsunamis mezclan todo aquello que quepa en un tema instrumental, desde western, spy, horror, twist, rhythm & blues… son una coctelera muy agitada.
Lo de los Mambo Jambo es punto y aparte. Participaron en el Surforama Express de 2012 y no dudamos un momento de que tenían que repetir. Es el concierto más bestia, trepidante y brutal que he visto en los últimos tiempos. Con miembros curtidos en mil batallas del rock n roll, creo que han dado con la medida adecuada de todo para dar forma a una propuesta de gran calidad. Es otro grupo de proyección mundial, ya han hecho varias salidas europeas y alguna visita al otro lado del charco.

En España están surgiendo mas grupos dedicados a estos sonidos, ¿cuesta más cada año elegir los participantes a nivel nacional para el cartel del Surforama?
Sin duda. Las propuestas de los grupos de aquí son cada vez más potentes y de mayor calidad. Siempre tienen atractivos diferentes y cada vez nos cuesta más poder elegir. Pero… ¡gustoso problema!

¿Qué otras actividades va a contar la edición de esta nuevo Surforama?
Pues además de un gran mercadillo de rock n roll, con discos ,ropa, esculturas y pinturas , todo ello con base o influencia del surf, tendremos exposiciones de longboards skateboards. O de tablas de surf, también longboards, a cargo de Montjuich Surfboards, que se dedican exclusivamente a hacer réplicas de tablas de los años 50,60 y 70. Habrá una exposición de motos custom y otra de guitarras manufacturadas por Bull Skull, un lutier que fabrica guitarras a medida y pedales que siempre tienen la misma finalidad , la búsqueda del tono, que es lo que todos los músicos de surf buscan.
Además de todo esto tenemos un meeting y exhibición de longboards de skate, con un clínic a cargo de la gente de Longboard Valencia, con exhibición de freestyle y rampas.
Y por último uno de los momentos más chulos del festival, la “cocktail party”, concierto de carácter gratuíto que ofrecerá la Spirit Rythm Band, una banda de swing y lindy hop amante de los sonidos de los años 20,30 y 40 con el espíritu de Nueva Orleans siempre presente , una banda perfecta para tomarse una cervecita en nuestra terraza , en pleno mes de mayo en Valencia y cerca del mar… ¿qué más se puede pedir?

Mención aparte merece el programa de radio El Sótano en Radio 3, excelentemente dirigido por Diego.R.J, que está haciendo una difusión admirable de estos sonidos, ¿qué opinión tienes de El Sótano?
Bueno, como ya he dicho en alguna ocasión, gran parte del éxito de este festival le pertenece a El Sótano ya que es el gran contribuidor a que se cree una escena propia del género. Creo que la labor de Diego RJ al frente de este programa es impagable y sinceramente, creo que no lo valoramos en su justa medida. Es el único programa de la parrilla de radios a nivel estatal que pincha este tipo de sonidos y que ha conseguido que muchos de los grupos que tenemos sean escuchados por un montón de gente. Pero sobretodo es la gran labor terapéutica y educacional que nos ofrece cada tarde lo que lo hace imprescindible. Además de todo esto he de comentar que el propio RJ se ha involucrado en este Surforama, y eso nos hace estar orgullosos y agradecidos.

¿Qué esperas de esta edición nueva del surforama?
Solo espero que salga igual de bien que todas las anteriores. Pero sinceramente. Por el aire que se respira y las vibraciones que nos llegan, se va a liar una buena, así que simplemente espero que se lo pase bien todo el mundo.

Juan Diego, me podrías decir, ¿qué canción nos serviría de despedida para esta entrevista?
¿Puedo elegir dos? jajajaja
Creo que la versión de Istanbul de los Phantom Surfers es para mí una buena elección, es un tema que siempre me arranca una sonrisa.

También me quedaría con el Woo Hoo de las 5678´s. Resume bastante bien lo que será el festival.

Pero por resumirlo de un modo más concreto… sin duda el Surf party de The Astronauts

Suerte y muchas gracias
Muchísimas gracias a tí Profe. Por ayudarnos en todo esto, y estar siempre al pié del cañón, tú eres otro de los imprescindibles del rock n roll en este país. ¡Un abrazo!

JUEVES 23 DE MAYO / THURSDAY, 23TH MAY
FIESTA DE PRESENTACIÓN / WELCOME PARTY
LOS CORONAS (España); La mejor banda hispánica de sonidos instrumentales no podía faltar en nuestra décima edición. ¡Y con disco nuevo para presentar!
*No incluida en abono /Not included in the fare

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VIERNES 24 DE MAYO / FRIDAY, 24TH MAY
THE 5.6.7.8’s (Japón); Garage Surf Rock’n’Roll al estilo “Kill Bill”. ¡¡Única actuación en Europa!!
THE HI-RISERS (EEUU); Una de las mejores bandas de Rock’n’Roll del planeta. Satisfacción garantizada.
THE BARBWIRES (Suecia); El genial Micke Barbwire (autor de la sintonía de El Sótano de R3) nos visita con su banda de siempre. El mejor trío surf de Escandinavia.
LOS TSUNAMIS (España); Sonidos Western, Swing, Ska, Sci-Fi, Spy y Surf se agitan en la coctelera de esta trepidante banda de Úbeda.

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SÁBADO 25 DE MAYO / SATURDAT, 25TH MAY
THE PHANTOM SURFERS (EEUU); Los padrinos californianos del Surf más gamberro celebrarán su 25º Aniversario con nosotros. ¡Única actuación en España!
MAMBO JAMBO (España); Explosivos, demoledores, vibrantes, sudorosos, impresionantes… un supergrupo de primera categoría y auténtico TNT instrumental.
MFC CHICKEN (Reino Unido); Música para pollos cocinada al estilo Pacific Northwest. ¡¡Fiesta!!
SURFER JOE & HIS BOSS COMBO (Italia); Su sonido bebe de los Surfaris y las bandas de los años dorados del surf. Sí amigos, ¡es Surfer Joe en persona!

Tu entrada para el SURFORAMA en http://www.movingtickets.com/Surforama-Valencia-La-Rambleta-Festivales-Surf-Rockanaroll-24-Mayo-2013_show_205.html

http://www.festivalsurforama.es/

Guille, después de haber sacado tu primer disco de larga duración “Epic handshakes and a bear hug”, un excelente disco de debut, han pasado cuatro años hasta lanzar “Big Flash” ¿cómo han sido estos cuatro años a nivel creativo?
Cuatro años puede parecer mucho tiempo, pero si por temas de curro solo le puedes dedicar a la música algunas tardes y los fines de semana, es un tiempo más o menos normal para hacer un disco cuidando todos los pasos. De todas maneras, en estos cuatro años saqué un LP y un 7” con Mittens, dos 7” con Wild Honey y el primer 7” de mi otra banda, Teacher Teacher. Así que no tengo sensación de haber estado muy parado, casi lo contrario.

Desde siempre has escuchado y sigues escuchando mucha música, ¿cada día se aprende un poco mas para luego impregnarlo en tus sonidos propios?
Estoy enganchado a descubrir canciones nuevas, para mí no hay mayor subidón que escuchar una canción que me gusta por primera vez. Eso al final hace que te conviertas en un junkie, buscando repetir esa sensación todas las veces posibles. De hecho, creo que disfruto más descubriendo canciones que haciendo yo mismo música, que al final es un proceso bastante más tortuoso.

A nivel personal, ¿qué buscas en cada tema compositivo?
Escribir una canción es casi como hacer un puzzle o leer un libro, algo con lo que me abstraigo completamente de lo que me rodea. Cuando tengo una letra que me convence, la sensación de dar con una melodía es similar a la de deshacer una madeja hasta dejarla con una forma que me convence. Sí que hay un momento de euforia, que es cuando todas las piezas encajan, y das con una melodía que ves que funciona (esa euforia puede ser engañosa, en realidad la prueba de fuego es volver a la canción un día más tarde para ver si tiene algo de sentido). Así que más que buscar algo concreto haciendo canciones, lo considero una actividad lúdica, algo con lo que me lo paso bien.

También has destacado en tus temas por los niveles de arreglos y de instrumentalización que desarrollas en su globalidad, ¿eres muy metódico en este sentido?
Creo que arreglar una canción es la parte que más me gusta. Al no tener una formación musical y no tener ni idea de teoría sobre armonía, arreglos o ese tipo de cosas, suelo trabajar a base de prueba y error. Me interesa trabajar con una posibilidad amplia de instrumentos, ya que al final son el ritmo y los instrumentos que utilices en una canción lo que le va a acabar dando una personalidad concreta. No tengo un método claro, pero sí que todas las canciones acaban pasando por diferentes fases hasta que doy con algo que me convence.

Tu segundo trabajo es una realidad bajo titulo de “Big flash”,¿Como has querido desarrollar este trabajo nuevo?
Me interesaba tomarme el nuevo disco como un proceso de aprendizaje. El primer disco lo grabé en casa, con equipo que me dejó mi amigo Diego, y lo grabé preguntando mucho y metiéndome en foros de temas técnicos, ya que no tenía ni idea del tema. Noto que, al ser autodidacta en este aspecto, me he perdido muchas cosas básicas y me interesaba trabajar con un productor: alguien con quien grabar el disco que tenía en la cabeza y al mismo tiempo poder aprender lo máximo posible sobre grabación y producción.

A destacar a nivel de grabación que el primero lo hiciste en tú habitación y este segundo en estudio de grabación,¿Has buscado una madurez mas amplia para tus sonidos que requerían para esta ocasión en este nuevo trabajo?
Lo que buscaba eran nuevas posibilidades para dar forma a las canciones que había escrito. Si en tu casa tienes una guitarra acústica y un banjo, pues al final las canciones que grabes con esos instrumentos van a sonar a algo muy concreto. Salir de casa y trabajar con un productor como Tim Gane, que tiene una colección de sintetizadores y efectos que quitan el hipo, hace que forzosamente las canciones suenen de otra manera.

Elegiste para la producción del disco a Tim Gane, ¿por qué?
Un poco por lo que te cuento de querer buscar nuevos sonidos y por querer aprender de alguien a quien admiro. Stereolab son uno de mis grupos favoritos, y tienen un sonido alucinante en sus discos, con millones de detalles interesantísimo a nivel sonoro, de estructuras, de ritmos…. Creo que Wild Honey no suena nada a Stereolab, pero estéticamente hay cosas que compartimos, y me parecen el ejemplo perfecto de una banda que bebe de unas referencias muy claras, pero que fueron capaces de crear un universo propio muy personal. Son un grupo único y desde el punto de vista de producción hay pocas bandas que me parezcan tan interesantes como ellos.

¿Cómo fueron esos primeros momentos de conocer a Tim y ¿qué ha aportado para la evolución del sonido de Wild Honey?
Dar con él fue bastante complicado, conseguí ponerme en contacto con su manager tras intercambiar emails con mucha gente. Le mandé a Tim, a través del manager, el primer disco de Wild Honey y me escribió él directamente diciéndome que le había gustado mucho y que le apetecía la idea de producir mi nuevo disco. Pero me advertía claramente que nunca había producido a nadie más allá de Stereolab o de sus colaboraciones con Sean O’Hagan de High Llamas. Así que la única condición que me puso fue que tenía que ir a Berlín a conocerle antes de comprometernos a nada. Me planté allí un fin de semana en plan cita a ciegas, nos tomamos un café juntos, charlamos un montón de música, visitamos su estudio y la verdad es que creo que conectamos bien desde el primer momento. Sospecho que quería comprobar que yo era alguien normal, ya que había estado trabajando recientemente con el tío de Atlas Sound y por lo que me contó las sesiones de grabación no acabaron muy bien.

Un disco en donde destacan por su calidad los conceptos ritmicos, ¿estás de acuerdo?
Darle mucha importancia a los ritmos del disco era algo buscado. El primer disco lo grabé en casa y, aunque me siguen gustando muchas de las canciones, creo que se quedó un poco blando en cuanto a sonido. Las baterías de este disco las ha vuelto a grabar Diego Blanco, y desde el primer momento buscamos ritmos más contundentes. La verdad es que hay pocas personas de las que me fíe más a nivel musical que de Diego, que grabó las baterías, o de Javier Lorente, que grabó parte de los bajos. Aun teniendo las estructuras muy claras, ellos aportaron muchas de las ideas rítmicas del disco. Por ejemplo, The Newlyweds suena así después de que le diéramos varias vueltas al ritmo entre los tres cuando ensayamos antes de empezar a grabar las bases.

En “Big Flash” destacamos esos momentos de pop auténtico con sus melodías contagiosas aderezados con algunos toques de psicodelia y unos arreglos admirables, tú Guille, ¿cómo ves globalmente este trabajo?
Es muy difícil hablar con distancia del disco sin que haya pasado apenas tiempo. Sí que estoy contento con el resultado. Después de trabajar en las canciones durante varios años lo que siento es satisfacción de haber acabado algo que se parece mucho a lo que tenía en la cabeza cuando empecé a escribir las canciones.

Cada tema es un mundo diferente, pero cuando más lo escuchas parecen que van encadenados unos tras otros, ¿es un disco en donde has buscado mas experiencias en los arreglos de cada tema?
Me gusta que cada canción tenga su propia personalidad. Recuerdo que grabando el disco de Mittens era algo que me obsesionaba, ya que uno cree que las canciones son muy distintas, pero para alguien de fuera del grupo las canciones se parecen mucho entre sí solo por el hecho de que las cante la misma persona y la base sea una guitarra. Así que sí que trabajo tema a tema para que los arreglos hagan de la canción algo con personalidad dentro de un disco. Por ejemplo, Rogério Duprat Looks Out The Window empezó como una canción con caja de ritmos a lo Magnetic Fields, y ha acabado teniendo un ritmo casi de samba. La letra y la estructura es la misma pero la canción no tiene nada que ver y quizás sea justamente la más diferente de todo el disco.

Hablame en pocas palabras de estos temas:
“The kite and captain John”
Es una canción muy clásica, me gusta sobre todo como suena el Vox Organ en la introducción, con mucha reverb buscando ese sonido de teclado casi difuminado que utilizaban a veces los Beach Boys. La canción parte de una idea de la película El río de Renoir, pero al final cuenta una historia que me ocurrió con una amiga cuando iba al instituto. 

“Gothic fiction”
El punto de partida fue el título, me hacía gracia titular una canción con un género literario. La historia es 100% ficción, traté de escribir una historia en la que estuviera justificada un título así. Aunque a mi madre le conté de qué trataba y, en plan psicoanalista, sacó un paralelismo con un accidente de coche que tuve hace dos años en el que me rompí el hombro y la rodilla.

“The newlyweeds”
Es otra canción que escribí a partir del título. Cuenta una historia en plan Aquellos maravillosos años, muy de enamoramiento platónico preadolescente. Me gusta mucho cómo suena la guitarra, Tim Gane le puso un delay muy expansivo que cambió completamente el sonido final de la canción.

“Cleopatra”.
Para el disco grabé y mezclé 16 temas, para poder elegir y quedarme solo con los 12 que más me gustaban. Al final, más que elegir las canciones que mejor funcionaba de manera individual, elegí las que mejor funcionaban secuenciadas en un disco. Cleopatra quizás no es la canción que llame más la atención, pero me parecía un cierre de disco que encajaba muy bien. Y además es de las letras que más me gustan, es una historia sencilla y contada de manera rápida que encaja muy bien con la melodía.

¿Qué músicos te han acompañado en la grabación de este “Big flash”?
A parte de Diego Blanco y Javier Lorente, que se han encargado de gran parte de la base rítmica, la otra persona que ha aportado muchísimo al disco es Ana Steinberg. Con Anita llevo tocando muchos años, es la cantante de Mittens y ya grabó el primer disco de Wild Honey conmigo. Las armonías nos salen prácticamente solas, conocemos muy bien cómo nos encajan las voces y eso es una gozada. A parte, Almudena Villalba tocó la flauta travesera y Andrés Cruz tocó el violín.

De Wild Honey está claro que se puede afirmar que tiene en su mano toda la diversidad del pop a través de estos doce temas, ¿es la diversidad un concepto perenne para Guillermo Farré?
Sí que escucho mucha música diferente. De hecho hay cosas que escucho que creo que no se notan en lo que hago con Wild Honey, ya que aunque me interese combinar ideas y estilos, también me preocupa que exista cierta coherencia estética para no caer en el pastiche.

¿Cómo te vas a programar los directos de presentación del disco y qué tienes fechas cerradas en estos momentos?
Presentamos el disco en Madrid el jueves 25 de abril en el Teatro Lara. Seremos siete músicos en el escenario y me apetece muchísimo el concierto, ya que imagino que habrá pocas posibilidades de que seamos tantas personas en conciertos futuros para tratar de reproducir los arreglos del disco. Llevamos ensayando un tiempo y ya suena todo muy bien, es comodísimo tocar con tanta gente, hace que tu voz y tu guitarra no tengan tanto peso y puedas cantar y tocar con más libertad.

Guille, cuando pudiste oír el disco terminado en su primer momento, ¿cómo fue tu reacción inmediata?
El problema es que pasé por eso un par de veces. Decidí remezclar el disco cuando se supone que estaba terminado puesto que había varias cosas de mezcla que no me convencían. En ese punto ya no sabía si era una sensación derivada de estar obsesionado con las canciones y de haber perdido la perspectiva. Pero ahora me parece fue la decisión acertada: las canciones suenan más redondas y creo que la primera mezcla tenía demasiadas aristas. Así que al final fue una sensación de alivio, ya que tras años de trabajar en las canciones, por fin me las quitaba de encima, era como cerrar una época de mi vida y poder centrarme en otras cosas.

Enhorabuena y muchas gracias
Muchas gracias a ti Profe, me hace mucha ilusión seguir haciendo entrevistas contigo, creo que la primera vez que hice una entrevista, hace ya la tira, fue contigo para hablar de la primera maqueta que grabé con mi grupo de entonces, Spanky Darth Vaders. Ha pasado ya un montón de tiempo! Muchas gracias por todo.

Fotos: http://www.facebook.com/thisiswildhoney
http://thisiswildhoney.com/

Antes de iniciar Giuda, estuvisteis en otro grupo llamado Taxi. ¿qué nos podéis contar de este anterior grupo?
Sí, Tenda (cantante) y yo (guitarra) solíamos tocar en Taxi. Estuvimos en el grupo durante un tiempo y sacamos 2 LP’s, pero decidimos dejarlo en 2007, después de la inesperada muerte de nuestro batería Francesco. Unos meses después, el resto de nosotros empezamos a tocar otra vez con la ayuda del primer bajista de Taxi a la batería, Danilo. Nos costó un poco estabilizar la nueva formación: el bajista de Taxi, Antonio, dejó la banda, y Danilo decidió cambiar los instrumentos y tomó su lugar. La banda fue reunida con Michele (guitarra) y Daniele (batería), y ésta ha sido la formación de Giuda desde entonces.

Tomáis como base el glam pero se notan también sonidos de punk, pub-rock o power-pop con vuestra propia personalidad ¿estoy en lo cierto?
Crecimos escuchando el punk-rock de los 70, la mayoría grupos del Reino Unido, y supongo que aún puedes oír ecos en nuestras canciones. El rock glam de Slade, Sweet, Mud o el glam junkshop de grupos minoritarios como Hector y Iron Virgin, y el sonido áspero de grupos como Third World War, Faces y el rock australiano post-Easybeats y pre-AC/DC son nuestras influencias principales.

A la vista de todos los acontecimientos y de las excelentes reacciones de prensa, criticas y publico del grupo, en estos momentos ¿qué pensáis de tanto elogio para la banda?
Recibimos una cantidad increíble de críticas positivas y mucho apoyo de los italianos y también de la prensa internacional. Para ser honestos no me esperaba que fuera a recibir tanto interés entre el público.

Un solo LP “Racey Roller” en el mercado discográfico grabado en 2009  para la escudería Deabeat Records ¿cómo fue elaborado este disco?
Racey Roller fue un largo y agotador trabajo, ya que pasamos años rescatando un antiguo equipo de estudio para recrear ese sonido y esa sensación. Grabamos en analógico en Boloña y luego el trabajo fue mezclado en Roma por mí y Danilo Silvestri que se convirtió en la persona fundamental para crear el sonido de Giuda.

Diez temas consta este “Racey roller” en donde se demuestra una gran brillantez en voces adosados con unos impagables estribillos con las guitarras en estado rabioso con una magnifica ejecución a lo largo de todos los temas contagiantes y pegadizos ¿Que es lo que buscabais para este primer disco?
Tocamos honesto y directo rock ’n’ roll, nuestro único objetivo es escribir buenas canciones y que los que nos escuchen pasen un buen rato. Espero que la gente se lo pasara bien cuando sacamos Racey Roller.

Me podéis hablar algo de estos temas: “roll on"  “Number 10"  “Hers coming saturday nights”.
¡Parece que son tus canciones favoritas! Bueno, mi preferida es “Number 10” la cual está dedicada al increíble jugador italiano de fútbol de todos los tiempos, Francesco Totti.

Más tarde el disco fue reeditado por White Zoo Records debido a la demanda del disco y haberse agotado la primera edición, el hacerlo en distinta discográfica a la primera ¿a qué fue debido?
En realidad White Zoo sacó solo la versión CD de Racey Roller. El primer vinilo de Racey Roller fue editado por American Dead Beat Records y más tarde por nuestros propios sellos, Fungo y por The British Damaged Goods.

Como serán los nuevos temas y ¿Habrá una evolución en los sonidos o continuareis con la misma identidad sónica?
Bueno, intentaremos tener un sonido más refinado sin perder la energía de nuestro primer álbum. También estamos intentando variar el sonido de cada canción para hacer el álbum más agradable.

Para Giuda, ¿qué importancia tienen los directos de cara al público?
Es increíble tocar en directo, es seguramente una de las cosas que más nos gusta hacer y también nos da la oportunidad de viajar mucho por el mundo.

En el 2012 participasteis en el Festival Funtastic Dracula Carnival. ¿cómo describiríais vuestra experiencia en este Festival?
Estuvo muy bien. Seguro que es uno de los festivales más graciosos donde jamás hayamos tocado. Esa es una de las razones por la que estamos muy contentos de volver a España.

Dentro de poco de la mano de HFMN estaréis de gira por diversas ciudades del estado español. ¿cómo van a ser estos directos? y ¿presentareis temas nuevos de Giuda?
Sí gracias a HFMN iremos por fin a España para 4 conciertos y por supuesto tocaremos canciones del nuevo álbum y casi todas las canciones de Racey Roller.

Para finalizar ¿me podríais decir cinco solistas o grupos que más han influido dentro de los componentes de Giuda?
La lista sería muy larga, te diré algunos de los artistas o bandas que tienen influencias fundamentales para nosotros:
The Beatles, The Move, The Troggs, The Equals, Slade, Faces, Mott The Hoople, Sweet, Mud, Status Quo, Vanda & Young, Jook, Hector, Iron Virgin.

Traducción: Marcos García.

Fotos: http://giuda.net/
http://www.facebook.com/pages/Giuda/162619653788119

¿Cual fue el germen de la fundación como grupo de Lendrone?
Ganas de tocar y de probar cosas nuevas. Simplemente, se nos venían muchas ideas a la cabeza y queríamos llevarlas a la práctica usando todo lo que teníamos a nuestra disposición sin prejuicios ni clichés y sin menospreciar ningún estilo.

Desde un principio teníais claro que vuestros sonidos iban a desarrollarse en varios terrenos en cuanto a sonidos
La verdad es que no, fue el resultado de que cada uno aportara lo que quería y lo que podía, lo difícil fue juntarlo para que transcurriese todo por el mismo cauce.

En Lendrone desde vuestros primeros momentos hasta esta actualidad, ¿cómo habéis trabajados vuestros sonidos?
Probando y experimentando con guitarra, bajo, sintes y ritmos, mezclar e intentar conseguir empastar todo de la mejor manera posible. Dando protagonismo a cada cosa en cada momento para elaborar atmósferas con sentido.

Psicodelia, rock instrumental, Krautrock, ¿forman parte en todo momento de Lendrone?
No, las influencias están ahí, cada uno tiene su propio bagaje musical, luego unos temas tiran más hacia una dirección y otros a otra. En el disco, te puedes encontrar temas que enfatizan más el kraut, otros el math, o incluso ritmos más matemáticos o más bailables… Cada tema tiene un poco de todo eso, la clave es encontrar el matiz que se deriva de cada uno.

Sois un trío, en la labor compositiva, ¿qué labor desarrolla cada uno de vosotros?
Jorge siempre tira más a hacer las lineas de bajo continuas y repetitivas, Andrés en cambio busca la ruptura y las estructuras complejas, y Juan pone la potencia, el músculo, y la fuerza.

¿Como fue la elaboración y desarrollo de “Uno”? vuestro disco de debut recientemente editado
Un poco lo que decíamos antes; fue el resultado de probar durante más de un año sonidos, ritmos, estructuras, y todo tipo de cosas, hasta llegar al punto que buscábamos. Cuando nos quisimos dar cuenta teníamos ya un buen número de temas que queríamos plasmar en formato físico.

Once temas bastante trabajados es mi primera aportación en la escucha del disco, ¿cómo llevasteis los temas al estudio de grabación? y ¿Es un trabajo muy metódico?
Realmente sí que fue un trabajo muy metódico, ensayábamos varios días a la semana, y hasta tenerlo todo perfecto no empezamos a tocar. Luego cuando llegamos al estudio salió todo bastante rodado. Grabamos en directo toda la base, y luego algunos sintes o detalles.

En este primer trabajo “Uno” se desglosan guitarras fulgurantes, odas lisérgicas, momentos oscuros o espacios experimentales, ¿cómo desglosaríais este trabajo desde vuestro punto de vista?
Pues LSD no tomamos para componer, y no queremos caer en ese tópico, somos gente inquieta, con gustos dispares pero también muy afines. Nos gusta explorar y probar cosas nuevas. Al final el resultado es un poco ecléctico, pero queremos creer que todo tiene un punto de coherencia, es cierto que en unos temas tiene mucho más peso una línea repetitiva, algo que te lleva para meterte dentro de él, mientras que en otros el peso está en los cambios y la sorpresa, o en la fuerza de la batería o los sintetizadores. Al final eso también es bueno, y puede ayudar a mejorar la dinámica del disco.

Al elemento experimental le habéis dado un tono muy dinámico en la totalidad del trabajo, ¿es así?
Si con eso te refieres al tratamiento que hacemos de los sonidos, sí, en parte es la intención, al usar los sintetizadores como base de muchas composiciones nos da una gran versatilidad por la enorme variedad de sonidos que podemos utilizar, y por cómo los podemos utilizar. Además abre un abanico de posibilidades para jugar con el espectro de frecuencias y efectos.

No vamos a hablar de influencias dentro de los componentes del grupo, pero ¿cómo veis en estos momentos a grupos del calibre de Luger? por poner un ejemplo entre otros mas que esta desarrollando estos sonidos a fines a vosotros?
Lüger es un gran grupo, y ha conseguido grandes cosas. La verdad es que se echa de menos más bandas de este estilo, es un rollo que nos gusta mucho, aunque realmente nuestros referentes suelen estar fuera de este país.

¿Cómo veis este proyecto que formáis parte como grupo llamado Matapadre?
Estamos muy contentos de formar parte de este sello, todas nuestras expectativas se han visto superadas, y la verdad es que aunque las cosas no estén fáciles para salir a tocar y moverse, estamos muy contentos de como está yendo todo, formar parte de algo así es una ayuda inmensa y un orgullo.

Como se desarrollan los directos de Lendrone y ¿nos podéis decir fechas de presentación en directo del disco?
Somos un grupo de directo. Valoramos mucho las buenas críticas que se están haciendo de “UNO” pero es en el escenario donde los temas suenan realmente con la contundencia que pensamos que deben sonar. Por eso aplicamos toda la fuerza y energía posible, eso es lo que tratamos de transmitir. El concierto presentación del disco será en A Coruña el 20 de Abril. Anunciaremos más fechas próximamente.

A partir de ahora, ¿qué planteamientos tenéis dentro del grupo?
Seguir tocando todo lo posible, esperamos que nos caiga algún festival en verano, y en breve, empezaremos a componer temas nuevos, que ya lo echamos de menos.

Muchas gracias
A vosotros majos.

http://www.facebook.com/Lendrone

Primeramente quiero que me cuentes, ¿QUÉ paso en Julio del 1998 en la puerta de un instituto en Azuqueca?
Madre mía, cuanto tiempo ha pasado ya..!! Pues pasó que nos conocimos los chavales que luego hemos acabado dando guerra con esto del “underground”. Los orígenes siguen siendo un poco inciertos, pero lo que sí te puedo contar es que estuvimos mucho tiempo ensayando en el aula de música del Colegio de monjas donde habíamos estudiado de pequeños. Incluso llegamos a actuar en directo en alguna fiesta de fin de curso. No veas la cara que nos ponía cuando Sor Palma nos pedía que tocáramos algún pasodoble…!!

¿Qué me puedes decir de vuestra primera experiencia en el grupo Super 8?
Super 8 nació de las cenizas del primer grupo que montamos en su día que se llamaba Los Vinilos. Emilio a la guitarra y yo al bajo, éramos los únicos supervivientes de esta primera experiencia y junto con Luis a la batería e Ivan al Hammond formamos Super 8. En esta época nos dedicábamos sobre todo a hacer versiones de grupos como The Prisoners, The Jam incluso de Los Flechazos, pero en plan muy macarra con el Hammond siempre “chirriando” a todo trapo. Ya te puedes imaginar, pura energía juvenil..!!

De este grupo se pasa rápidamente a la creación de The Paff Booms, ¿cómo fue este proceso de cambio de grupo?
The Paff Boom´s surge cuando los cuatro nos planteamos que queremos tomarnos las cosas un poco más en serio y tratar de empezar a componer temas propios. Nos apetecía empezar a dar más conciertos y llegar a conseguir un mejor sonido. Lo del cambio de nombre fue sobre todo para dejar claro que queríamos empezar a hacer otras cosas. Además, The Paff.. Boom´s es un nombre mucho más chulo ¿no te parece?.

En esta primera época vuestros sonidos estaban fundamentados en el groovie, power-pop, garage,surf y el beat-mod, ¿cómo aglutinabais todos estos sonidos en la ejecución de vuestros temas?
La característica principal de The Paff Boom´s en esta primera época era el órgano Hammond. Además Iván era todo un virtuoso y eso hacía que estuviéramos centrados en que fuera el mayor protagonista del grupo. Esto hizo que, dentro de los gustos musicales que siempre hemos tenido, fuéramos derivando en sonidos sobre todo instrumentales basados en el groovie y el garage. En esta primera etapa apenas teníamos temas propios y el repertorio constaba básicamente de versiones de grupos como Big Boss Man y James Taylor Quartet.

Que por cierto os movíais entre los temas propios y versiones todo ello en castellano y casi todos en forma instrumental, ¿Háblanos de esta cuestión dentro de The Paff Booms?
Como te digo, esto sucedía sobre todo el principio. En esa época nos daba mucha pereza ponernos a sacar temas propios y nos conformábamos con tocar las canciones que nos gustaban de otros grupos. Era una pasada sacar en el local “Bad Trip” de los Allnighters y pensar que te quedaba incluso mejor que a ellos. De todas formas, no sé porqué será, pero hace algún tiempo era muy normal que, sobre todo muchos grupos de influencia sixties, tuvieran gran parte de su repertorio plagado de versiones.

Con la incorporación de Clemente al grupo, ¿qué cambia en los sonidos del grupo?
Con Clemente cambian muchas cosas. La más importante, es que hasta ese momento no habíamos tenido vocalista como tal en el grupo. Además tenía una forma de tocar la guitarra muy “callejera” que nos gustó mucho desde el principio. En esa primera época desde la llegada de Clemente, el grupo lo formaban dos guitarras, bajo, teclado y batería. Esto no duró mucho porque Emilio dejó el grupo al poco tiempo. Con Clemente en el grupo empezamos a darle más importancia a los temas cantados, aunque los instrumentales en los que el Hammond es el protagonista, seguían siendo la base del grupo.

¿Giráis más a temas de pop-rock en esta nueva etapa?
Sí que es cierto que nos empezamos a interesar por sonidos más sencillos, más pop. En esta época es cuando Clemente compone “En la Arena” pero como te digo, el Hammond sigue siendo el que marca la pauta en el grupo.

¿Cuando empezáis a dar rienda suelta a vuestro único Ep-cd?
Siempre hemos sido bastante perezosos y creo que el EP tendríamos que haberlo grabado mucho antes. Pero bueno, nunca es tarde si la dicha el buena… La verdad es que nos gusta mucho como quedó y creo que recoge bastante bien lo que era el sonido de los Paff Boom´s en esa última etapa antes de que Iván, nuestro teclista, dejara el grupo.

¿Cómo fue la elaboración y grabación de este Ep,el primero en la carrera musical del grupo?
Los temas los teníamos compuestos desde hacía tiempo y nos apetecía mucho meternos a grabarlos. Lo hicimos en los estudios Soul Kitchen en octubre de 2010. La verdad es que nos lo pasamos muy bien en la grabación, aunque fue un fin de semana de lo más atareado. La portada del disco nos la hizo nuestro buen amigo Francisco Núñez y hasta poco después no nos dimos cuenta de lo premonitoria que era. Es una ilustración que representa las ruinas de una ciudad después de la invasión de una especie de robots gigantes. En primer plano aparecen nuestros instrumentos tirados en el suelo después de haber sufrido una explosión nuclear. Y eso fue realmente lo que pasó. Al poco tiempo de grabar el EP, Iván dejó el grupo y de nuevo nos tuvimos que reinventar, esa vez desde nuestras propias cenizas.

Me podrías hablar algo de cada uno de estos temas:
“Super 8”
Es el que abre el disco y yo diría que es el más “funky” que hemos tenido en toda nuestra carrera. Es curioso pero el EP creo que define muy bien cuáles eran las tendencias musicales en aquél momento de nosotros cuatro. Super 8 es un tema compuesto hace muchos años y el título es un homenaje a nuestro anterior grupo. Creo que tiene todo lo que se puede esperar: riff machacón de bajo, guitarra con guah guah y sonido Hammond. Digamos que dentro del EP, este tema representa la etapa más primitiva del grupo.

“Chelsea”
Este tema ya se compuso con Clemente en el grupo. Dentro de que también es instrumental, sin duda es mucho más pop que el anterior. Quiere sugerir un poco cómo sería darse un paseo por el Chelsea londinense a mitad de los años 60. Sin duda el tema refleja mucho más la sencillez y la inmediatez de las melodías pop.

“En la arena”
Sin duda mi tema favorito. Dentro del EP, esta canción ya anuncia hacia dónde queríamos que fueran los nuevos sonidos del grupo. Es un tema cantado en castellano, como a partir de ese momento serán todos los nuestros. Aquí ya si que nos decantamos por sonidos puramente pop. 

“El pajaro” o “The bird” de Manual Scan.
Es la única versión del EP y es el tema junto con Super 8 que más tiempo llevábamos tocando. Se trata de una versión del grupo de Bart Mendoza allá por los primeros 80´s. Tiene la curiosidad de que el tema original no tiene teclado y creo que el arreglo del Hammond quedó muy chulo. Por cierto, este tema llegó a publicarse en un periódico de San Diego (California), ciudad natal de Bart Mendoza y sigue colgado en la página oficial de Manual Scan. Cosas de la globalización…!!!

Hace dos años de la salida al mercado de este disco, ¿tenéis preparados mas temas para una próxima grabación? y ¿qué sonidos contienen?
Como te he comentado, este EP supone el fin de una etapa en el grupo. Con la salida del Hammond, tuvimos que plantearnos hacia dónde queríamos ir con el grupo y la respuesta fue muy clara… Queríamos hacer temas propios cantados en castellano, sobre la base del trío guitarra, bajo y batería. Y eso es con lo que estamos ahora mismo. Tenemos bastantes temas propios y después del verano queremos volver a grabar algo, seguramente será otro EP, pero todavía no está claro. Los nuevos sonidos de los Paff.. Boom´s son claramente pop. Tratamos de cuidar mucho las melodías pero intentando que los temas tengan también mucha fuerza. Hemos querido sobre todo buscar un sonido de guitarra lo más garajero posible pero sin que se pierda la melodía. En definitiva, como decía Alex Díez en el libro de Los Flechazos, “hemos buscado recuperar a esencia del pop, la de los dos minutos y medio, la que te hace reir, soñar, bailar y llorar”. Amén.

¿Cómo son los directos de The Paff Booms?
Actualmente el grupo lo formamos cinco personas: Luis a la batería, Clemente a la guitarra y voz, Leo a las percusiones, Ángel al saxo y yo al bajo. Como te he dicho, con la marcha del teclista, tuvimos que plantearnos si definitivamente renunciábamos a nuestro anterior repertorio y lo que se nos ocurrió fue mantener parte de las canciones antiguas, sobre todo los instrumentales, pero tratar de hacerlos diferentes. En ese momento surgió la posibilidad de contar con Ángel y con Leo que les han dado a nuestros temas de siempre un toque “grooovie” que nos gusta mucho. Todo esto te lo cuento, porque los conciertos los hacemos divididos en dos partes. Al principio salimos guitarra, bajo y batería e interpretamos los temas cantados propios y alguna versión. Tocamos por ejemplo “Números Mágicos” de Roger Sincero y “Sometimes Good Guys don´t Wear White” de los Standells, pero ambas muuuucho más garajeras que las originales. Como a la mitad del concierto salen el saxo y las percusiones y el repertorio cambia completamente. Pasamos a tocar temas propios como “Chelsea” y algunas versiones de Big Boss Man y James Taylor Quartet. Incluso nos atrevemos con “Stop in the Name of Love” de las Supremes y “Town Called Malice” de los Jam. Así somos de chulos…!!

¿Qué próximos conciertos en directo nos podéis confirmar en próximas fechas del grupo
Este año celebramos el 15º aniversario de la primera formación del grupo y queremos celebrarlo dando bastantes conciertos. En lo que llevamos de año ya hemos tocado en la Moby Dick de Madrid, en el Back in Black de Azuqueca y en La Vieja Taberna de Praga en Vitoria. Las próximas fechas son:
26 de abril. Flamingo Bar Rock de Alcalá de Henares. En este concierto nos acompañará nuestro común amigo Johnny Lebrel a los platos.
24 de mayo. Costello Club de Madrid. Tocaremos junto a los Seasongs de Madrid.
15 de junio. Sala Slow de Barcelona.
29 de junio. Back in Black de Azuqueca. Queremos que este día sea la celebración del aniversario y contar con los antiguos componentes de grupo y hacer algo especial.
4 de octubre. Taberna Lennon´s de El Casar (Guadalajara).
Seguimos buscando alguna fecha más para el verano y para después de vacaciones. Por supuesto, estamos dispuestos a escuchar cualquier oferta..!!

Paco, ¿cómo ves el actual panorama del underground?
La de veces que te he oído hacer esta misma pregunta a todos los grupos que invitabas a “Mi Habitación Favorita”..!! No puedo evitar sentir nostalgia de aquellos años gloriosos, pero actualmente hay grupos que nos gustan mucho: Los Inmediatos, Los Seasongs, Phantom Keys, Zombie Valentines, Roger Sincero, Lukah Boo… Por otro lado, Cooper sigue emocionándome siempre, estoy deseando oir la vuelta de los Happy Losers, Los imposibles, Doctor Explosión…

¿Tendremos a The Paff Booms con cuerda para bastante tiempo?
Esperamos que sí. Ahora nos preocupa seguir ensayando para que los conciertos salgan muy bien y ponernos a grabar lo antes posible los temas nuevos.

Suerte y muchas gracias
Gracias a ti Profe por habernos dado la oportunidad de formar parte de “tú habitación favorita”. Hasta siempre y Viva el Pop..!!!

https://soundcloud.com/the-paff-booms
http://www.myspace.com/thepaffbooms

¿Cómo contactaste y conociste a Los Eternos?
Mi mujer y yo fuimos invitados a una churrascada, que resulto ser en el local de ensayo de la banda.

¿Y cuando decidiste comenzar este proyecto con Los Eternos como nueva banda?
Ellos sugirieron que podríamos tocar juntos “algún día”. Organizaron un ensayo para la semana siguiente y dimos nuestro primer concierto juntos una semana más tarde!  Todo esto ocurrió de manera sencilla y elegante.

Vuestro debut discográfico es un 7” con dos canciones “Another Lost Weekend” / “Animal”, que nos puedes contar acerca de estos nuevos temas?
“Another Lost Weekend” fue concebida para formar parte de un nuevo álbum de The Hitmen, esto nunca ocurrió y Los Eternos pensaron que era demasiado buena para desperdiciar y que sería perfecta como single para nuestro debut. Es una canción sobre el renacimiento personal así que es ideal para nuestras circunstancias. “Animal” fue escrita en el avión de vuelta a Australia desde Galicia en una de mis primeras visitas.

¿Planeáis hacer más grabaciones juntos? ¿Cual son los planes futuros de la banda Chris Masuak & Los Eternos?
Estamos revisando canciones para un próximo single y tenemos planes para grabar un álbum. Esto es solo el comienzo de lo que yo predigo será una muy agradable y productiva asociación.

La canción “Another Lost Weekend” es un tema excelente y brillante de pop o power-pop, es este el sentimiento que quieres transmitir y el camino a seguir con esta nueva banda…
Me gusta escribir canciones con personalidad y una buena melodía. En realidad no soy un tipo triste, así que tienden a ser animadas. Combina eso con la tradición underground australiana, fíltralo a través de una pandilla de galegos….y esto es el resultado!!!

La otra canción “Animal” es más rockera… incluso cantas algunas palabras en castellano!!! Cómo te sientes cantando en nuestra lengua?… no estarás pensando en hacer una canción cantada solo en castellano?
Aprendí ese poco de español de alguien que conducía en un atasco. Por ahora, aunque entiendo bastante, aún estoy bastante limitado a la hora de hablar.

¿Estáis pensando en hacer una gira para presentar vuestro disco de debut?
Claro que sí!!  Estad atentos para saber más acerca de las fechas de la gira, que arrancará en Ponferrada el 29 de marzo en el Freakland Festival.

Como bien sabrás en España estos momentos no son muy buenos para muchísima gente con el tema de la crisis, el paro y otras malas situaciones… pero me gustaría preguntarte sobre cuáles son tus expectativas con público español y que te esperas encontrar en los conciertos?
El mundo entero está experimentando una época terrible. La corrupción y avaricia del gobierno aquí en España es incluso más descarado que en Australia, pero los problemas de base son los mismos. Todo esto me cabrea y me pone enfermo, espero que durante unas horas nos podamos juntar para celebrar las cosas buenas de la vida. Hasta el momento, el público español ha sido extremadamente entusiasta y comprensivo y eso es muy alentador.

Como ves solo te estoy preguntando a cerca de Chris Masuak y Los Eternos… pero nadie se puede olvidar de tus otras bandas: Radio Birdman, The Hitmen, The New Christs, The Screaming Tribesmen y Klondike’s North Forty… por ello me gustaría preguntarte a cuales de estas bandas te sientes más cercano tocando con Los Eternos
Todas las bandas posteriores a Birdman representan mi libertad de expansión y creatividad. Klondike´s North Forty es una banda sólidamente construida en los cimientos de las bandas que mencionas, pero con músicos que aceptan mis ideas una manera más aventurera.
Los Eternos convierten mis ideas descabelladas en realidad. Y lo hacen con buen humor y una energía increíble, lo cual es completamente diferente a cómo se hacían las cosas en Radio Birdman.

¿Cómo es la escena de rock and roll en Australia en estos momentos y cuales crees que son las mayores diferencias respecto la escena australiana y la española?
Tuve la suerte de estar en bandas durante los días de gloria de Australia. Comencé con Radio Birdman y su actitud que revolucionó la industria, que continuó durante una larga y exitosa carrera haciendo giras por pubs sudorosos con algunos de los mayores nombres del rock underground.
Las audiencias en Australia eran ruidosas y exigentes… las bandas tenían que o bien “crecer” en el escenario, o ser condenadas al olvido. El ambiente entonces era vibrante y ruidoso, y muy creativo. Pero, los tiempos y la música han cambiado y los locales ahora están llenos de máquinas tragaperras.
Las cosas están difíciles en Australia, y todavía más complicadas en el terreno musical. Pero todavía quedan unos cuantos luchando, y una nueva generación de bandas buscando lugares donde poder ser escuchados. Las bandas australianas todavía tienen una actitud de “a por la yugular” y la música es una mezcla de influencias con un estilo agresivo a la vez que melódico
España tiene una manera poco habitual de entender la historia de la música y celebra el underground de una manera diferente, pero igualmente visceral.

Algo más que quieras añadir y quieras decirnos… seguro que hay muchas cosas que me olvido de preguntarte…
Tengo que agradecer la amistad y apoyo que he tenido desde que me establecí aquí. Los Eternos aparecieron de la nada, han estado todo el tiempo disponibles, y me han ofrecido un lugar de entrada en la industria musical.
El talentoso Primitivo Marcos dedicó su precioso tiempo para hacer las ilustraciones de nuestro primer single.
Alvaro luchó contra los elementos para sacar un videoclip estupendo. He conocido a mucha gente buena que, sin pedir nada a cambio, han contribuido de manera muy positiva.
Así que, gracias chicos!!
Salid ahí fuera y apoyad a las bandas locales. Presionad a los promotores para mantener la escena musical viva. De lo contrario, toda esa mierda de música que estamos obligados a escuchar en supermercados y el Disney Channel será la única que vosotros y vuestros hijos escucharán en el futuro y SERÁ TODO VUESTRA CULPA!!!!

Fotos: http://www.facebook.com/pages/CHRIS-MASUAK-LOS-ETERNOS/421474061248166
http://chrismasuak.com/

El grupo aparece en el año 1996, lanzáis un mcd y dos discos de larga duración, aparte de haber participado en varios recopilatorios, ¿qué recuerdos guardáis de esta primera época del grupo?
Conservamos muchos y muy buenos recuerdos. Los Clouds de esa época parecen ahora muy lejanos, pero recordamos con cariño los primeros años. Estamos orgullosos de nuestra trayectoria porque siempre hemos hecho lo que nos apetecía. Hemos disfrutado de todas las etapas del grupo y de los amigos que han pasado por él (Paco, José Ángel y algunos más).

Termináis una etapa y empieza otra nueva, ¿cómo ha sido la evolución de los sonidos de Blackberry Clouds desde aquella etapa a esta actual’
En cada álbum de los Clouds siempre hay un giro con respecto al anterior. Ese es el concepto básico que nos mantiene activos. Comenzamos basándonos en los sonidos de guitarras, pero hemos ido evolucionando a medida que se incorporaban nuevos miembros a la banda. Cada uno ha aportado enfoques diferentes en la forma de acometer las canciones y ha añadido más riqueza a la instrumentación de éstas. También ha influido la tendencia (supongo que natural) a cambiar paulatinamente la energía de los inicios por la inquietud de probar cosas y experimentar con nuevos instrumentos.

Habéis tenido cambios de componentes en la formación del grupo, en este momento, ¿tenéis una formación estable?
Bueno, ha entrado y salido gente, pero la formación es estable…por ahora.

¿Desde cuándo rondaba por vuestras cabezas dar este giro musical a las raíces americanas?
Siempre nos ha gustado este tipo de sonidos, aunque no lo mostráramos en nuestros trabajos anteriores. Llevamos unos años macerando este mejunje, probando los nuevos instrumentos (pedal steel, contrabajo, etc.) y trabajando en canciones en las que pudiéramos desarrollar esta nueva dirección. Nos apetecía mucho darle este aire a la banda.  La salida del anterior cantante propició este cambio, ya que aprovechamos la circunstancia para lanzar a la banda por ese camino.

¿Qué ha ganado el grupo con este nuevo rumbo,es decir ¿estáis más cómodos con estos sonidos?
Sí, nos encontramos más cómodos y muy satisfechos, tanto por el sonido de la banda como por las nuevas canciones, que se ajustan perfectamente a la idea que tenemos ahora de los Clouds.

Unas raíces americanas que parten del country, country-rock, americana e incluso rockabilly en trece temas que componen este disco titulado “Dry Wind”, ¿cómo habéis trabajado y elaborado este disco?
Todos los miembros de la banda son devoradores de música relacionada con esas características, pero en un sentido amplio que va desde Sweetheart of the Rodeo hasta Fire of Love, por ejemplo. Así que todos vamos al local con esos sonidos incrustados en la cabeza y allí trabajamos juntos los temas. Se suele partir de una idea o boceto inicial al que cada uno va añadiendo su marca personal. Al final resulta algo totalmente diferente de la idea de partida, pero siempre mucho mejor.

Podríamos decir claramente que es un disco muy emocional para Blackberry Clounds
Bueno, el proceso de elaboración de las canciones, de grabación y edición de estos dos años ha coincidido con varios momentos difíciles que seguro han dejado huella en el disco. En ese sentido, para nosotros es un disco muy emotivo.

¿Cómo se desarrollaron las sesiones de grabación de este disco?
Teníamos el material muy perfilado, así que el proceso ha sido muy fluido, sin traumas ni historias raras.  Es cierto que nos lo tomamos con calma, pero los Clouds de ahora funcionamos mejor a velocidad crucero.

La grabación del disco se ha realizado en dos estudios, ¿por qué?
Grabamos una tanda de temas en el Hollers Analog Studio por Maxi Holler, un técnico estupendo que nos entendía perfectamente.  El resto de canciones las grabamos y editamos en Grabaciones Oscuras, donde también hicieron un gran trabajo. Ambos estudios son de Málaga. Tenemos conexiones con ellos que nos permitían trabajar en un ambiente relajado y con gente que comprendía bien lo que queríamos hacer.

Las letras del disco a través de estos trece temas ¿qué temática global le habéis infundido?
Nos gusta contar historias en las canciones. Casi todas las letras hablan de gente que huye o que vuelve a casa, en sentido literal o figurado. El ambiente general de las letras suele ser triste, melancólico, o sobre personas en situaciones complicadas. Es una especie de terapia.  Nos parece divertido cantar canciones sobre problemas que nunca vamos a sufrir.

Desde “Dry wind” hasta “My main day” hay un recorrido que pasa por nuevos instrumentos y más melodía en las voces, ¿es un estado satisfactorio para el grupo todo lo que conlleva este nuevo trabajo?
La incorporación de Julio al piano, el trabajo de Francis al pedal steel, el de Frank al contrabajo, etc…con esta nueva formación nos encontramos completos para desarrollar el rumbo que queremos darle al grupo.

Es un disco auto-editado por vosotros mismos, ¿queríais controlar todo lo referente a esta edición de “Dry Wind”?
Bueno, no ha sido una cuestión de querer controlarlo todo.  Por suerte, las discográficas que editan este tipo de material suelen otorgar un alto grado de libertad artística a los grupos a quienes edita. Lo único es que las discográficas que se habían interesado en el trabajo no tenían pasta para moverlo, con lo cual no tenía sentido ponerlo en manos de nadie que no fuera a poner medios suficiente para difundirlo con garantías…llegado a ese punto, lo hacemos nosotros y ya está.

¿Cómo lleváis toda esta nueva etapa en el concepto sónico a los directos?
Siempre intentamos llevar los matices de “Dry Wind” al directo, pero no como una reproducción, sino simplemente porque es lo que somos. En el álbum no hay nada que no podamos tocar en concierto, aunque el directo siempre añade un punto de intensidad.

¿Nos podíais explicar un poco cómo son los directos del grupo, compagináis temas propios con versiones?
En directo siempre incluimos alguna versión. Nos divierten mucho y nos reafirman en nuestras convicciones musicales.  Que yo recuerde, en casi todos los conciertos hemos hecho Mother of Earth de Gun Club; tenemos debilidad por este tema.

Qué próximos proyectos tiene el grupo en cuanto actuaciones en directo, nuevas grabaciones de aquí a finales de año
Presentaremos “Dry Wind” en Málaga el próximo 13 de Abril en la Sala Espaciu acompañados de los increíbles Hollers. Después, iremos cerrando fechas para tocar tanto como podamos.
“Dry Wind” está recién sacado de la parrilla, pero ya tenemos material para grabar cuando llegue el momento. Esperamos comenzar el siguiente antes de que finalice el año.

Muchas gracias
A ti por este rato de charla. Ha sido un placer.

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Primera edición del festival Timebomb que se celebrará en Málaga pero ¿nos podéis decir cómo surge la realización de este Festival?
La idea la llevábamos pensando desde hace ya tiempo, lo hablamos entre nosotros ( Airbag ) muchas veces y luego, hablando con nuestros amigos del Culoactivo Canela de Málaga, que son una gente que programan muchas cosas interesantes y se mueven mucho, nos tiramos al fango. Ellos también querían hacer algo más centrado en el punk rock, así que se fue fraguando todo. La idea era juntarnos algunos de los grupos de punk rock y punkpop que más nos conocemos, que hemos crecido juntos o que nos hemos solapado en diferentes épocas. Una reunión de amigos mas que un festival, pero se nos fue de las manos y ya que se hace se hace bien, como suelen hacer las cosas Álvaro, Beto y la gente del Canela.

Un Festival en donde los sonidos de punk-rock seran la clave en todo momento del evento, ¿es así?
Totalmente, es un festival muy específico, dedicado al punkrock con influencias más norteamericanas, pero hecho aquí.  De hecho Airbag, que en los últimos discos nos hemos alejado algo del punkrock al uso para mezclarlo más con el powerpop y el pop, vamos a tocar íntegramente nuestro primer disco “Mondo Cretino”, para no desentonar mucho, jajaja.. hemos empezado hace poco a ensayarlo y mola mucho volver a esas velocidades de vez en cuando. 

Todo festival requiere una organización, en este caso, ¿quienes forman arte de este primer Timebomb Festival?
La organización son gente del Canela y nosotros mismos, Airbag quizás hemos sido más culpables de, una vez elegidos los grupos, contactar con ellos, ya que en todos los casos somos muy amigos. La organización en si corre a cargo del Culoactivo Canela, ellos hacen un festival que se llama Canela Party todos los años en la sala Eventual y que es un un éxito, un festival donde todo el mundo va disfrazado de cosas increíbles y donde el cartel siempre es muy ecléctico pero siempre con buen gusto. Así que en logística lo tienen bastante controlado todo. Entre ellos y nosotros lo haremos lo mejor posible para que la gente y los grupos estén a gusto.

¿Cómo ha sido el desarrollo desde su inicio hasta estos momentos de este Timebomb festival?
Ha sido relativamente fácil por ahora: conocemos la escena, conocemos los sitios donde se podía hacer en Málaga y conocemos a los grupos. Lo planteamos como he dicho antes como una reunión de amigos, así que no hay muchas pegas por parte de nadie. Por ahora tiene muy buena pinta y el ritmo de venta de entradas va muy bien. Como todo está creciendo tenemos claro que hay que hacer algo bien organizado y serio.

Un cartel potencial de varias epocas del punk-rock nacional se van a dar cita en el cartel final,¿Como se ha ido completando el cartel del Timebomb?
Desde un principio llamamos a los grupos que decidimos entre todos y todos aceptaron, guardaron fechas y algunos hicieron el esfuerzo de cuadrarlo, como  Fastfood por ejemplo, que vienen directamente de una gira europea y llegan justos para tocar el sábado. Depressing Claim, por ejemplo, quedaron en el tintero pero hemos conseguido que vengan todos como público, así que igual los arrastramos al escenario a que hagan algo.. jaja… Teníamos claro que había que hacer algo todos juntos porque esto no durará siempre, queríamos hacer algo que quede en el recuerdo, al menos en el nuestro.

¿La vuelta de the Shock Treatment para dar varios conciertos de la presentacion del disco-libro ha sido un hecho fundamental para el Festival?
Si, era fundamental la presencia de Shock porque era ahora o nunca, se despiden ya definitivamente y estábamos dispuestos a obligarles, pero al final no hizo falta.. jaja.. los demás grupos son igual de importantes, el caso era estar casi todos los amigos, todos era imposible, el cartel en principio era una noche y tuvimos que hacerlo del fin de semana entero. Conoces a mucha gente en 15 años tocando y tocando.

Para vosotros, ¿qué ha significado los sonidos de The Shock Treatment dentro del punk-rock estatal?
Una influencia clara, lo hemos dicho siempre. Ahora somos muy amigos, siempre pienso que es una pena que no nos conociéramos personalmente antes, la conexión Málaga-Castellón debió haber ocurrido en los 90´s. Por eso ahora andamos desquitándonos…

Dentro del cartel estarán grupos de calidad constrastada como No Picky, Sugus, Fastfood, Los Reactivos o grupos menos conocidos como Patada Voladora o Smoking Victims, ¿qué nos puedes decir de estos grupos?
Pues de los clásicos que nos gustan mucho y que en su estilo son de los mejores, incluso a nivel internacional, todos tienen algunos discazos imprescindibles. De los nuevos pues que son la sangre nueva y hay que dejarles paso, Patada Voladora son el orgullo de Málaga, muy poca vergüenza es lo que tienen, al fin un grupo divertido y sin pretensiones que no persigue otras metas mas allá de beber gratis e intentar ligar, desprenden buen rollo. Smoking Victims son de los grupos nuevos del género que he visto que mejor tocan, y van a más, tienen buenas voces y cada vez componen mejor. No han tocado mucho fuera de Málaga, a ver si empiezan a rular un poco más.

De Airbag se puede decir de todo y ademas bueno en todo momento, ¿qué últimas novedades nos puedes contar del grupo para este año 2013?
Gracias. Estrenamos el 9 de abril en el cine Albeniz de Málaga un DVD que incluye un documental del grupo de toda su historia y el concierto en directo en la sala Heineken de Madrid en Septiembre de 2011, aquel donde los Nikis salieron por sorpresa, todo eso está documentado después de mucho trabajo.. es un flipe para nosotros poder sacar algo así, el documental incluye imágenes de grabaciones de todas las épocas, viajes, conciertos, entrevistas a mucha gente que nos hemos cruzado en estos 15 años, personas influyentes para el grupo, gente que trabaja con nosotros, etc… No somos un grupo superventas ni famoso pero para algunos será muy emocionante este documento. A partir del Timebomb haremos fechas presentándolo y por fin volveremos a Galicia, Euskadi y otros sitios imprescindibles como Madrid.

¿Qué mas actividades aparte de los conciertos estarán presente en este primer Timebomb?
El martes 9 se proyecta el documental de Airbag en el cine Albéniz de Málaga, dentro de las actividades del Festival de Cine Español de la ciudad, es la misma semana que el Timebomb, después están los conciertos del viernes y del sábado. El sábado a medio día habrá una paella y pinchada en el Drunk-o.Rama, nuestro bar favorito de la ciudad y punto de reunión, para que la gente tenga algo que hacer durante el dia. Luego por las noches la fiesta seguirá en la sala Eventual hasta que aguantemos. Desde la web hay recomendaciones de hotel barato y de calidad, ahora hay ofertas de ave para el que venga de fuera, que son muchos.

Dos días de autentica fiesta, todo ello aderezado con los sonidos de punk-rock, ¿qué esperáis de este primer festival Timebomb?
Esperamos que la gente pueda ver en dos días a muchos de sus grupos favoritos, hay pocos festivales dedicados al punk rock, los festivales indies no dan cabida a éste género. Existen algunos pequeños festivales como el “Tu el Monte y yo al mar” en Ferrol, o el Sorrofest en Barcelona, que se hacen en salas pequeñas y hacen una labor estupenda para muchos grupos y público, pero queríamos hacer uno en una sala para 600 personas a ver qué pasa. Estamos convencidos de que en España se puede hacer un festival de estas características y que tenga público, así que hemos puesto toda la carne en el asador.

Desde tu punto de vista, ¿cómo está la escena punk-rocker estatal en estos momentos?
Sinceramente, creo que está en el mejor momento desde los 90´s. Los grupos de esa época están sacando discazos ahora y también hay muchos grupos nuevos. Quizás hay ya demasiados grupos, pero ésto debe explotar por algún lado y tienen que salir relevos generacionales importantes ya, solo hace falta grupos nuevos que tengan inquietudes nuevas y que toquen y toquen. El fallo que veo es que hay muchos grupos pero son muy efímeros, duran poco. Falta algo de creatividad y persistencia dentro del Punkpop.

Adolfo, ¿quieres algo mas que añadir?
Muchas gracias por dar cobertura al evento, y esperamos veros a alguno de vosotros por allí porque va a ser mítico.

Suerte y muchas gracias
A vosotros.

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https://www.facebook.com/TimebombFestival

Vamos a hacer primeramente un pequeño historial del grupo ¿cómo fueron los inicios de estos chicos que cantaban en la estación de metro Príncipe Pío?
Pues J.R. Cristina, Gustavo Abuja y yo ya habíamos coincidido en The Dooteens. Cuando abandonamos todos ese barco, formamos The Prince Five junto a Gustavo Catañeda, y cuando este se marchó a Alemania decidimos llamarnos The Del Prince. Lo de “Prince” tiene que ver con el emplazamiento que utilizábamos para ensayar. Que no era otro que el vestíbulo de la estación del Norte. La antigua estación de ferrocarril conocida como Príncipe Pío. Allí armonizábamos de lujo con esa reverberación natural que tiene. Fueron unos años muy bonitos. Yo grababa con mi minidisc los ensayos y lo gozábamos con la gente. Reacciones muy variopintas. Luego al Molinón a comer mollejas y beber cerveza. Lo echamos de menos.

¿Cómo reaccionaba la gente al escucharos cantar temas de doo wop a capella?
La mayoría pasaban de nosotros. Era un espacio enorme. Ahora reducido a la mitad. Y nos poníamos en la mitad. Aún así había gente que se acercaba, algunos incluso buscaban la gorra para echarnos dinero. Mucha gente se emocionaba. Algunos críos se empeñaban en molestar……….tenemos muchas anécdotas.

Fuisteis cuarteto, mas tarde quinteto, para volver a ser cuarteto dentro de The Del Prince ¿explícanos estas pequeñas variantes?
Si, comenzamos The Del Prince como cuarteto, pasamos a quinteto, luego a cuarteto otra vez que fue el periodo más largo, y hemos vuelto a ser quinteto. El asunto obedece a las salidas del grupo de sus componentes. Todo siempre con buen rollo, por supuesto.

No había posibilidades de grabar, pero siempre me dijiste que el mini-disc te salvo la vida Marcos ¿es así?
Bueno, posibilidades de grabar siempre hubo, en incluso hicimos varias grabaciones caseras con un sonido bastante aceptable. Algunas de ellas se han editado en varios recopilatorios. Pero grabar un disco no lo hicimos porque siempre tuvimos la idea de instrumentar nuestras propias canciones, y no se daban las circunstancias. Así que nos acomodamos al formato acapella y nunca montábamos nuestros propios temas, salvo rara excepción. El minidisc nos salvó la vida porque grabábamos todo y eso ha permitido tener nuestro enganche con la gente a través de grabaciones que hacíamos con el.

Dos momentos que recordareis mucho son vuestro debut en el Runaway en Brunete y aquella noche mágica madrileña con The Crystalairs
Sin duda. Esos dos momentos de esa misma noche fueron tan notorios que dejaron gran recuerdo en nosotros. Por una parte nuestro debut en el bar Runaway de nuestro amigo Tony. Absolutamente a capella y sin micrófonos, y el local abarrotado. Al terminar el show mis compañeros se marcharon a Antena 3 a recoger a The Crystalairs y estuvieron cantando de madrugada por la Plaza de los Cubos y otros sitios de Madrid mientras buscaban donde comer tortilla de patatas. Yo, fiel a mi estilo, me quedé en el Runaway bebiéndome mis consumiciones y las de mis compañeros.

¿Cómo ves a años pasados esos temas reflejados en Principe Pio, en vuestro local de ensayo, en el Gruta 77 o en el Siroco?
Los veo con ternura, pero los oigo fatal. Hay cosas interesantes porque el volumen de archivo es enorme, pero en general no son de mi gusto. Eso sí, creo que muestran fielmente las diversas etapas de nuestra carrera.

No sacasteis discos, pero participasteis en varios recopilatorios ¿cuéntanos un poco de estas participaciones en recopilatorios.
Cierto, no tuvimos disco propio pero si unas cuantas apariciones en recopilatorios. El de 12 años de Siroco, uno de los volúmenes de Riot on the Rocks que editaba el difunto Kike Turmix, el par de volúmenes que Sweet Beat Records editó sobre la escena actual, Hot’n”Hip Harmonies y un Spanish Rockin’ Bombs.

Luego vino una época en la cual Marcos Sendarrubias se centra mas en su proyecto de The Nitemares y José Ramón, Cristina y Roberto comienzan The Harmonies. Hasta el año pasado que volvéis con gran intensidad y fuerzas renovadas contando, además, con la incorporación de Juan Manuel López al grupo ¿qué planteamientos nuevos a nivel musical tienen The del Prince en esta nueva etapa?
Si decidimos parar porque yo estaba con mucha velocidad fruto de mi trabajo en Nitemares y exigía demasiado al grupo cuando las circunstancias demandaban otro ritmo. Ellos formaron The Harmonies y ya hace camino de dos años que volvimos a juntarnos. Juanma es colega mío del barrio y nos conocemos bien. Siempre he admirado su voz y es todo un triunfo tenerlo con nosotros en el proyecto.

Estaba claro que el repertorio del grupo iba a cambiar totalmente, con temas todos nuevos y composiciones para el nuevo repertorio del grupo ¿era fundamental esta cuestión?
No es que fuera fundamental. Es que era el único motivo que nos llevo a juntarnos de nuevo. Los planes rara vez salen como uno quiere cuando hay tantos factores que intervienen en ellos. Nuestro objetivo era preparar un disco y un repertorio nuevo y salir con ellos al ruedo. El disco vimos que no podía ser así que decidimos saltar al escenario y que viniera después. Pero el objetivo principal del retorno del grupo es grabar nuestras propias composiciones. Algunas de ellas llevan con nosotros desde el principio y nunca las hemos hecho en público. Ese y el de pasear el proyecto fuera de Madrid. Tan lejos como nos dejen.

Memorable fue vuestra actuación de vuelta a los escenarios el 13 de Octubre en la sala El Intruso ¿qué sentisteis ese día de regreso a los escenarios?
Fue algo muy especial. Quizá uno de los conciertos de mi vida. Estábamos preparados para llenar, incluso con mucha gente de fuera de Madrid. Hasta estábamos preparados para agradar, siendo conscientes del cambio cualitativo que habíamos pegado. De lo que no estábamos preparados era de la reacción de la gente. Se volvieron locos desde el primer tema. Al terminar el mismo aquello se caía entre aplausos y vítores. Como si fuera la última canción de los bises. Algo muy extraordinario que nos abofeteo y nos metió más aún dentro del show. La electricidad que había en el ambiente hizo que el show fuera único. La gente estaba tan receptiva y tan entregada que vivimos momentos alucinantes, como gente llorando en alguna canción o silbando y jaleándonos enfervorizada en el desarrollo de otra cuando hacíamos un arreglo de campanas en medio. Nunca había experimentado eso en mi propia carne y nunca había asistido a algo así en un bolo a capella ni siquiera como espectador. Fue un concierto muy, muy satisfactorio. Una recompensa al trabajo que se gratificó más de lo esperado.

Decidís grabar nuevos temas The Del Prince. Y la particularidad que va a tener esta grabación es que sois acompañados de músicos ¿cómo surgió esta idea de grabación con músicos?
Bueno, como te dije antes la idea debió partir del 98, cuando empezamos a componer. Veíamos nuestros temas instrumentados, y en la mayoría de los casos teníamos los arreglos de los músicos. Así que, una vez retomado nuestro camino, y dejando en claro que queríamos grabar nuestros temas, solo nos faltaba saber que músicos nos iban a acompañar.

Dentro de pocos días tendréis ¡Por fin¡ vuestro primer vinilo en forma de Ep de tres temas,¿cómo fueron esas sesiones de grabación?
Pues fueron una descarga de adrenalina terrible. Los músicos grabando en directo y sin claqueta, algo que no era su modus operandi al grabar, y mis chicos desatados por la euforia del momento. Fue muy duro coordinar todo y llevarlo a buen puerto con éxito. De hecho hubo que duplicar el esfuerzo debido al descontrol.

En el disco irán incluidos tres temas, nos puedes hablar algo de:"Lucky strike” “A game for you” y “Baby,tell me”
“Lucky strike” y “A game for you” son dos uptempos muy sonido Bronx que están compuestos por Juanma. Y “Baby, tell me” es un tema lento cuyo único acompañamiento instrumental es el piano de Kike Jambalaya. Esta es una composición mía.

Tres temas y dos voces principales en The Del Prince, como son Marcos y Juanma. Y en las composiciones ¿Como se trabaja dentro de The Del Prince?
Cada uno traemos nuestros propios temas con el arreglo ya completado. Luego, cuando vamos montando las voces y vamos oyendo como suena, todo el mundo va opinando, y hay cosas que si comprobamos que mejoran las cambiamos. Así de simple.”

¿Grabasteis mas temas en esas sesiones de grabación? y si es afirmativo ¿tendrán próxima salida en otro Ep o recopilatorios?
Si, grabamos un tema mío llamado Julie pero lo descartamos porque lo jodimos fruto de ese descontrol que te comentaba antes. Esa grabación no nos vale así que no saldrá en ningún otro lado. Lo que haremos será volverla a grabar cuando regresemos al estudio. El plan es grabar 14 temas. Ya llevamos 3. Lo próximo será nuestro trabajo definitivo con todo. Se grabará de la misma manera y contaremos con batería, bajo, guitarra, saxo, piano y cuarteto de cuerdas. Será la hostia.

El disco sale en Rufus Recordings (sello formidablemente dirigido por Paco Rodríguez) ¿cómo se llegó al acuerdo de sacar el disco en Rufus Recordings?
En principio yo estaba empecinado en grabar cuatro temas y editar un vinilo. Algo que sería más fácil de realizar que grabar nuestros 14 temas. Pero por un problema de pasta lo descartamos y nos centramos en la idea de grabar la totalidad y presentarlo en un CD a más largo plazo. En estas que apareció Paco y me dijo que si me molaba la idea de editar un EP el lo haría en Rufus. Hablé con los chicos y le dimos la conformidad. Ese fue todo el trato. Hasta el final, un día antes de entregar todo no rematamos las condiciones. Y estas fueron, según palabras de Paco………..(un Paco terriblemente emocionado con los temas)………….”¡Pídeme lo que quieras!”
Le pedí y me lo dio. Jamás he conocido a alguien como el. Lo suficientemente apasionado como para meterse en estos berenjenales, lo suficientemente loco para cerrar un trato de esa manera y lo suficientemente honesto para llevarlo todo a cabo.

Marcos, ahora te toca decir las fechas de presentación del disco con músicos incluidos en esos directos
El disco lo presentaremos en Alicante el día 13 de Abril, en Las Cigarreras, junto a nuestros amigos The BorderBounds en unas jornadas a capellas por el aniversario de Naranja y Negro. El 20 de Abril en Gruta 77 acompañados por The Kings of Rhythm, nuestra banda. Y compartiendo cartel con The Quarterbacks. Y el 1 de Junio en el Desert Wind Festival de Almería. Allí también acompañados por nuestros músicos.

Excelente portada del vinilo y excelentes carteles de los directos, ¿q quien debemos tan magno trabajo gráfico?
El diseño gráfico es de Antonio Alay. Estoy muy orgulloso de poder contar con el en mis proyectos. Y a las pruebas me remito.

¿Qué esperas de esta nueva etapa de The Del Prince?
Grabar y editar nuestras canciones propias. Tocar fuera de Madrid todo lo que podamos, junto a The Kings of Rhythm o acapella, y poder salir al extranjero.

De la escena actual del doo wop nacional ¿qué nos puedes aportar actualmente?
Pues que la cosa está creciendo y estamos muy orgullosos de participar en ella en estos momentos.

Marcos, ¿quieres añadir algo mas
Si, quisiera destacar que el disco lo hemos grabado en directo a cinta magnetofónica en Brazil Estudios y que Ely Agramunt ha hecho un trabajo impresionante mezclándolo y masterizándolo. Ely también forma parte de mi “sonido” desde hace años, y estoy encantado que hayamos podido trabajar juntos en este proyecto. Para mi es todo un lujo.

Muchas gracias
A ti Profe.

http://www.myspace.com/thedelprince
https://es-es.facebook.com/TheDelPrince?group_id=0

Hola Molly. ¿Cuándo te diste cuenta exactamente de que podrías vivir de la música? Cuéntanos cuándo sentiste la llamada.
Cuando era muy pequeña, antes incluso de que pudiera caminar, ya estaba sujetándome al tocadiscos de mi abuela, ella solía decir “Mira esta niña meneándose con la música. ¡La cría tiene ritmo!” Supongo que ese fue el momento.

¿Dirías que el folk es tu mayor influencia y que el blues tu fuente de conocimiento debido a que viviste muchos años en una granja?
De joven me influenciaron la música folk y el rock clásico pero, he de decir, que Delta Blues es mi más marcada influencia. 

Empezaste con un grupo en la Universidad, no es así?
Tuve un grupo de música en el instituto llamado Seratonin y, más tarde, en la universidad también estuve en otro.

¿Cuándo decidiste empezar a tocar como One Whoaman Band?
Cuando me mudé a Missouri no conocía otros músicos pero ya podía tocar tres instrumentos a la vez. Se me ocurrió el nombre One Whoaman Band y poco después empecé a tocar sola. Parecía encajar y era mucho más fácil de organizar y de cobrar. Además, tener la libertad de tocar lo que quiera e improvisar cuando me dé la gana es realmente divertido. Te vuelves muy creativa.

¿Son músicos como Bob Log III los que consideras tus favoritos?
Se podría decir así, Bob Log III es mi héroe. Fue la primera persona que me propuso ir de gira. ¡Mi primera gira! Sé que fui una consentida, me enseñó un montón de cosas, incluso las que pensaba que eran imposibles. Quién sabe, si no hubiera hecho esa gira a lo mejor estaría cocinando hamburguesas. ¡Muchas gracias Bog Log!

Cuéntanos más sobre tu primer disco Hillbilly Love,¿ cómo surgió y lo llevaste a cabo?
Ese fue el primer disco grabado por Solid Audio Productions. Realmente aprovechamos el tiempo en el estudio añadiendo técnicas y tecnología nueva con efectos y voces. Las pistas where laid down thicker que Oprah. Pero me gusta más mi nuevo disco porque capta mejor el sonido en directo. 

Tu segundo álbum es más enérgico y crudo, más potente y directo… ¿Qué ocurrió? ¿De dónde vino la inspiración?
De hecho, en este álbum incorporo sonidos más viejos con canciones folk como Dinks Song y Kings & Queens (la mejor canción que he escrito nunca). No quería obviar mi antiguo estilo folk tocando sin alfombra (zapateando contra el suelo), Bob Dylan fue una de mis primeras influencias. El primer corte es una versión de Mississippi Fred McDowell, su estilo me inspira muchísimo.

Obviamente, un factor importante en tu música es el slide. ¿Te acompañan la guitarra y el slide desde el principio?
No, empecé tocando la guitarra con una afinación estándar y usando cejilla aquí y allá. No fue hasta un viaje que hice con mi primo a Virginia Beach para grabar mi primer álbum (no está a la venta y además es bastante malo). Intercambiamos mi Epiphone por su Univox Custom hollow body. Es mi guitarra favorita y la toco todo el tiempo, the action es alta y muy buena para el slide. Me enseñó una canción de Memphis Minnie: Bumble Bee. También me introdujo a Big Bill Broonzy. Estaba muy intrigada y después de ello empecé a investigar otros artistas de Delta Blues. Me encanta tocar con el slide porque es una manera muy relajada de tocar.

¿Tuviste algún apoyo para grabar Folk Blues and Booze (2011)?
Fue producido por mi discográfica Solid Audio Productions.

¿De dónde obtiene Molly Gene toda esa cantidad de energía?
Cuando todo empieza a fluir es verdaderamente fascinante, si el público es enérgico me lo transmite, además, me suelo echar muchas siestas.

Existen rumores sobre un nuevo disco en directo, dinos algo más
Tenemos un montón de grabaciones en directo y estamos decidiendo qué hacer con ellas. Quizás en un futuro estén disponibles en formato digital.

En pocos días, estarás tocando en España en el Stompin Blues and Boots Festival ¿qué podemos esperar de Molly Gene?
Un montón de sudor, retozo y zapateo, bailes y cerveza! 

Algún otro proyecto a la vista del que nos quieras hablar?
¡Estoy trabajando en un nuevo disco que grabaré en junio!

Muchas gracias

http://mollygene.org/
https://www.facebook.com/mollygeneonewhoamanband
Fotos: http://worldofharmonica.blogspot.com.es/2012/03/molly-gene.html

Beni, para empezar nos podrías decir Cuando nace la idea de formar a The Dreamers
Pues nace a principios de 2009, cuando animado por nuestro editor Carlos Ferrer, que era amigo mío, me pongo a buscar gente para hacer el estilo musical que más me gusta en este mundo.

¿Desde cuando te empezaste a interesarte por los sonidos del Doo Wop?
Cuando estaba en el instituto, hace más de 20 años, llegó a mis manos el disco “Tonto por ti” de Tennessee y quedé prendado. En esos años mi compañero de grupo, Carlos, empezó a escuchar todos los programas de Flor de Pasión, de RNE3, y yo hacía recopilaciones en casete de lo que él grababa. Grabábamos temas doowop, surf y high school

Hay que decir que anteriormente tuviste un proyecto llamado The Five Clones, ¿cómo fue esta primera experiencia para tu devenir musical?
Fue realmente curioso. Tenía varios audios realizando todas las voces de varios clásicos del doowop, y mi buen amigo Ángel me dio la idea de hacer vídeos como si fuera un grupo, metiendo efectos especiales. Así nació ese grupo virtual que me dio a conocer entre muchos seguidores del género en España. A la gente creo que le pareció una idea muy original.

¿Cual fue el planteamiento en los sonidos para The Dreamers?
Inicialmente mi idea era montar un grupo de doowop clásico en formato acapela, pero al ir entrando miembros en el grupo, vimos que podíamos, y además nos gustaba, llegar un poco más allá e introducir sonidos más del surf y del pop de los 60, incluyendo además instrumentos.

Pero al mismo tiempo que en vuestros sonidos suena Doo Wop también hay temas de pop con influencia en los primeros sesenta, ¿qué me puedes decir de esta apreciación?
Pues al hilo de la pregunta anterior, fue al ir componiendo la formación final cuando vimos el potencial: por ejemplo tener varias voces válidas para solistas, contar con una voz de chica (cosa que no era mi idea inicial pues yo era más seguidor de grupos masculinos), eso posibilitó realizar canciones que no estaban en mis planteamientos iniciales pero que nos encantaban a todos, y de hecho en nuestro repertorio hay temas de grupos de chicas de primeros de los 60.

¿Qué ha significado para ti darte a conocer en el foro Rockers.es y como fue esa acogida a los sonidos de The Dreamers?
Ese foro fue maravilloso para mí, para darme confianza en mí mismo, sobre todo en 2009, cuando colgaba las versiones de The Five Clones. Mi mayor alegría a través de ese foro, el haber conocido a Marcos Sendarrubias. Marcos fue un gran consejero mientras estaba formando la banda. Ya con The Dreamers formado fue más fácil llegar a la gente porque ya me conocía la peña por lo de los clones.

Beni, del Doo Wop patrio en estos momentos, ¿qué destacarías?
Pues la variedad, estamos varios grupos pero cada uno con un sonido muy particular: me encanta el solista de Earth Angels y el empaste de su coro, el sonido clásico de Velvet Candles, la elegancia de Del Prince, la frescura de Borderbounds, la veteranía y versailidad de Tennessee, y que me perdonen los que no nombre. Y ahora llegamos nosotros con nuestro toque revival como dicen algunos, a ver lo que podemos aportar al panorama nacional., espero que sea bueno.

Ante un directo de The Dreamers, ¿cómo es la reacción del público?
¿Antes o después de tirar los tomates?, jajajjaja. Nunca se quedan indiferentes. Los que no conocen e género por la sorpresa y a los que lo conocen de momento no los hemos defraudado. Intentamos hacer un concierto variado, con algunos a capela, algo de rock and roll con coros y doowop y surf con instrumentos, intentamos dar dinamismo al show, y por eso creo que el personal no se aburre.

En estos momentos tenéis formación fija, ¿cómo os planteáis las bases y sonidos del grupo en estos momentos?
Tenemos formación fija de cantantes y los músicos pueden cambiar según el concierto. Antes algunos de los cantantes tocábamos instrumentos, Antonio la batería y yo la guitarra acústica, pero hemos decidido concentrarnos en la voces para dar el 100%.

Ya tenéis una primera referencia en forma de Cd titulado “1963”, lo primero que quiero preguntarte, ¿por qué este título para el disco?
El título se lo puso mi compañero Carlos, pues un año en que confluyen nuestros dos género favoritos, el doowop, que aún se mantiene, y el surf, que ya empieza a despuntar con grupos como Beach Boys, Fantastic Baggys o Jan & Dean.

El disco contiene cinco temas, muy conjuntados en voces y de gran calidad intrínseca personal de todos los componentes del grupo en donde se combinan el Doo Wop y el pop de manera directa y contagiante, ¿me podrías hablar un poco de cada tema’
A NEW CHANCE. Compuesta y arreglada por mí, es la balada clásica del disco. Yo quizás, en gustos soy el más clásico del grupo, y además me encantan las baladas, por eso me salió esta canción y además, quería cantarla porque creo que estos temas van bien a mi voz.
YOU CAN FLY. Un tema romántico pero fresco y divertido. Está gustando mucho a gente que no era seguidora del género, no sé que tendrá. Está compuesta y arreglada por Antonio. Es el tema del primer videoclip, por cierto.
SO HARD (TO BE IN LOVE). Tema de Carlos, originalmente escrito para mí, pero que cuando yo estaba arreglando modifiqué en tonalidad hasta subirlo al tono de mi hermana Gema, y nos encantó como le quedaba. Es un tema de desamor pero visto desde un punto de vista optimista y esperanzador, y así creo que se trasmite en el tema y en los arreglos.
LITTLE LADY WITH A DOG. Es el tema más surfero y rockanrollero del EP. Esta compuesto y arreglado por mí, y la melodía la grabé en un semáforo, un sábado por la mañana en que había poca gente por las calles, inspirado en el sentimiento de simpatía que me trasmitió una pequeña señora mayor que paseada a su perro en bata de estar en casa, jjejejejeje, la vi tan natural y pasando de todo y de todos que pensé “esto también es rock and roll”.
MY LONELY WORLD. Un tema maravilloso de Carlos. Fue el tema que menos me costó arreglar pues la melodía y la letra eran tan inspiradoras, que los juegos de voces me salían sin ningún esfuerzo. En este tema hemos apostado por algo distinto, pues hay un arreglo moderno de guitarra que lo hace distinto. A algunos les puede incluso chocar, pero a nosotros nos gustó cómo quedaba, y siempre haremos las cosas porque nos gusten a nosotros, no para que nos encasillen en un determinado género.

¿Cómo fue esa grabación de este primer disco de The Dreamers?
Pues te voy a ser totalmente sincero, lo pasamos bastante peor que en un concierto pues era muy frío, quisimos grabar por pistas para que quedara perfecto, y nos metíamos uno por uno en la sala de grabación. Si juntas eso a que era la primera vez que varios de nosotros grabábamos en un estudio profesional, pues eso, que no fue tan divertido como pensábamos. Sí te diré que lo mejor fue la relación con el técnico, Fran Báñez, que no sólo tiene un oído privilegiado, detectando el menor desafine, sino además que tiene una paciencia de santo.

¿Qué aporta cada componente del grupo a los sonidos de the Dreamers?
Mi hermana Gema es la dulzura, Antonio es la voz juvenil y más pop de los chicos, Carlos aporta en los coros el tenor, tan necesario para crear una buena armonía, y yo soy la voz más clásica del grupo.

Tenéis fechas de presentación del disco en directo.
La presentación del disco será el próximo 3 de mayo en el Teatro de Las Cocheras. Avda. de Hispanoamérica s/n, Huelva
21:00 Concierto THE DREAMERS
22:00 Concierto TENNESSEE (sí, esta es la gran sorpresa)

¿Qué más proyectos tenéis para este 2013 The Dreamers?
Pues aparte de la presentación oficial del disco en primavera, haremos algunos conciertos de verano, y queremos también preparar un formato acústico, sólo con guitarra, para tocar en locales pequeños, en plan íntimo. Por otro lado vamos a hacer algún otro videoclip de “1963”, mientras seguimos componiendo temas para el que será algún día nuestro primer LP.  Hay un plato fuerte en estos planes que será subir a Madrid para tocar con una banda importante dentro del panorama doowop español, pero no digo más, ahí lo dejo.

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Ante de nada, si nos retomamos a vuestros comienzos en la música, ¿qué nos podéis decir del proyecto White Cabaret?
Francesc: WC era cojonudo. Surge de otro grupo, Vice and Vanity, que a mí me encantaba, en el que estaban todos ellos: Moris, Dani, Ceci y Rodri. Me dieron la oportunidad de unirme a ellos y fue increíble. El grupo sonaba muy bien y salieron unas cuantas canciones memorables, como “Madrid Girls”. Lástima que se acabase.

Comenzasteis como grupo The Fun Loving Ones a finales del 2009, ¿cómo fue gestándose el grupo? y ¿de qué manera se fue uniendo los diversos componentes del grupo?
F.: Cuando WC acabó, Rodri y yo nos quedamos un poco colgados, no teníamos otro grupo. Como siempre nos hemos entendido muy bien, en lo musical y también personalmente, decidimos seguir componiendo y ver qué salía. Hicimos unas cuantas canciones que nos gustaron, y las grabamos con el “home studio” de Rodri. Después empezamos a buscar gente que quisiera tocarlas en directo con nosotros. Nos costó mucho, pero estamos encantados con la formación que tenemos ahora. La acabamos de completar con Martín, que es un gran teclista y un amigo, a pesar del poco tiempo que ha pasado desde que lo conocimos.
Rodri: Exacto, no podíamos estar sin hacer música y desarrollamos unas cuantas ideas que posteriormente grabamos, con la primera referencia dimos con Andres que ya había colaborado con WC, gran batera y mejor persona. También se unió Juan Álvarez aka Cheli, gran colega, con la guitarra y por supuesto nuestro bajista Álvaro Chocano que da gusto tocar con el. Tuvimos mucha suerte en encontrar tan buena gente que tuviese unas pretensiones como las nuestras y que tocase tan bien.

Dentro de las coordenadas del grupo destaco esa intensidad en los sonidos y la manera total de disfrutar y saborear tema a tema de forma directa y de diversión
F.: Pues me alegro de que lo veas así. Nosotros intentamos que las canciones sean divertidas, pero que haya “drama” en ellas, que haya algo de sufrimiento en la atmósfera.
R.: Sí, nos gusta la sencillez, buenas melodías con estribillos potentes.

4 ¿Cómo fuisteis desarrollando vuestro primer disco “No compromise”?
F.: Componíamos Rodri y yo en nuestras casas, con la guitarra acústica. Rodri traía un riff, una frase o una sucesión de acordes y luego le íbamos dando forma.
R.: También tenía alguna canción terminada a la que le buscábamos melodía vocal y posteriormente Francesc le ponía la letra. Nos metimos en el local, mi colega Diego Fernández de The Backseats nos grabó las baterías, yo grabé guitarras, bajos, arreglos de teclados y coros y el maestro Paco grabó sus voces. La verdad es que quedamos muy contentos.

Desde el power-pop, rock-pop con aptitud punk cargado de energía y melodía a la vez podríamos decir ¿qué hay encajado en los sonidos de The Fun Loving Ones?
F.: Paso palabra.
Álvaro: Aunque se nos suele denominar como un grupo de power-pop las influencias son muy variadas y terminan plasmándose en los temas. Todos los componentes del grupo somos verdaderos melómanos que disfrutamos con cualquier expresión musical, pero al incorporar en la banda a un bajista con tintes rockeros, un batería con mucho jazz y un teclista versado en múltiples “batallas”, se consigue que los temas tengan personalidad propia y que se reconozca el concepto Funloving al instante.
R.: Puede ser, hablando de etiquetas, yo me identifico bastante con estas, pues son en las que he estado encasillado. Yo no escucho muchos tipos de música, me gustan unas pocas dentro del abanico del rock que son estas de las que hablamos y alguna más, y eso se nota a la hora de componer.

A finales del 2012 sacáis al mercado “Nowhere to run” ¿cómo habéis elaborado y desarrollado este nuevo disco?
F.: Pues las canciones de este disco se han ido curtiendo en directo y en el local, llevábamos tocándolas casi todas bastante tiempo, así que no ha costado demasiado plasmarlas en el disco.

Dicen que en el segundo disco es donde un grupo tiene que demostrar todo su potencial de linea ascendente. ¿ha sido un disco más metódico que el anterior?
F.: Sí, se ha hecho de una forma más lógica. La demo la grabamos cuando aún no había banda y luego tratamos de reproducir el sonido del disco en directo. En este caso, ha sido al revés.
R.: No hemos escatimado en tiempo, como lo hicimos en el local de ensayo sin ningún tipo de presión nos lo hemos tomado com todo el tiempo del mundo hasta que todos estuviésemos agusto con nuestras partes, bueno, eso es imposible, casi agusto del todo…
Bueno, y los teclados han sido fundamentales

Diez temas contiene este “Nowhere to run” en donde se demuestra que la intensidad guitarrera acompañado por una gran base rítmica y excelentes melodías,hacen de este trabajo una inmersión profunda en los terrenos del power-pop-punk por calidad y maneras de desarrollo del trabajo en su totalidad,pero vosotros, ¿cómo lo definiriais
F.: No sé ¿Angry-pop?
R.: Tú lo has hecho muy bien. Jejeje

Un disco con tratamiento globalizante, pero hay tres temas que me suenan fascinantes, me podríais hablar algo de “Everythings fine”, “When i writethe book” y “Confess”
F.: “Everything’s fine” habla de una situación límite, de alguien que ha mordido el polvo muchas veces, que ha perdido todo, pero está dispuesto a levantarse y luchar por recuperarlo de nuevo, porque al fin y al cabo “sigue siendo un niño y es incapaz de vivir sin un sueño”. Merecen una mención especial los arreglos de guitarra de Juan A. Charines, que dejo el grupo hace poco. Porque quiso. “When I write the book” es una versión de Rockpile con un toque muy personal. En directo, se sale. Y “Confess” es una canción que tiene todo lo que me gusta del grupo. Suena clásica, pero fresca, tiene un estribillo muy pegadizo, pero es también oscura. Me encanta, es una muy buena carta de presentación.

Entre las diversas influencias del grupo podrían estar Rockpile o Paul Collins
F.: Pues sí, nos encantan. También Social Distortion, Elvis Costello, o Bruce Springsteen. Bueno, lo de Springsteen es cosa mía.

¿Qué fechas próximas de presentaciones del disco nos podéis confirmar en estos momentos?
F.: El 6 de abril estaremos en Wurlitzer Ballroom con The Hard Tops http://www.thehardtops.bandcamp.com que son tremendos.

Para este 2013, ¿habéis pensado en un nuevo trabajo discográfico?
F.: Aún no, no estamos pensando en eso todavía.
R.: ¡Gracias!  Un saludo.

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El grupo se forma en el 2009 en Brighton, ¿cómo fueron esos primeros días para Cold Pumas?
Era ridículo! En 2009 nos trasladamos de Exeter a Brighton y, de repente, ya no éramos la banda de improvisación que fuimos. Nos habíamos convertido en algo a medio camino entre !!! (Chk Chk Chk) y Can y empezamos a tocar en librerías y locales de ensayo. Cuando nos mudamos a Brighton yo no había tocado la batería en mi vida y mi hermano Oliver estaba obsesionado con los ritmos funky de su bajo. Fue un desastre. Sonábamos como The Rapture con el reverb a tope!

Me podéis contar como se trabaja dentro del grupo a nivel compositivo, ¿es un trabajo conjunto o individual para luego mas tarde aderezarlo en grupo?
Por lo general trabajamos todos juntos. Hay un par de canciones en el álbum donde las partes iniciales han sido escritas por uno o dos de nosotros, pero en última instancia, “eso” en lo que se convierte la canción terminada es un producto de la “familia” completa (hablando, discutiendo, gitando y, a veces, perdiendo el tiempo). Sin embargo, creo que ahora que Oliver y yo nos hemos mudado a Londres y Dan continúa en Brighton, y hay algo de distancia espacial entre nosotros, las cosas funcionan mucho mejor cuando nos juntamos.

En Cold Pumas se nota en vuestros sonidos la existencia de momentos emocionantes intensos, ¿qué tratamiento le queréis dar a esas emociones de distinto grado?
La traducción de esa pregunta ha hecho que parezca muy sugerente, quizás más de lo que habías previsto! Me encantaría pensar que los elementos emotivos están enterrados en el sonido general (ya sea en las letras, en los riffs o en las repeticiones). Yo diría que el concepto de ‘sad bass” es un concepto muy importante en la mayor parte de la música que me atrapa, ya que permite un” momento emocional intenso”, como tu lo llamas.

De forma global ¿cómo unís esos momentos de post punk con las atmosferas del Kraut-rock?
Creo que los elementos kraut-rock existen en nuestro sonido realmente como una aproximación a otras cosas más que una obvia influencia del género en términos de un sonido global, en un sentido metronómico del ritmo y como punto de partida para conseguir la repetición. Pero no queríamos ser una banda revivalista de Kraut, que son básicamente copias de Neu!, sino utilizar el post-punk que es nuestra máxima influencia para llegar a un sonido con un desapego y minimalismo más personal.

Pienso en temas llenos de tristeza pero que al mismo tiempo parece como si tuvieran otro significado distinto, ¿nos podíais explicar estos pequeños detalles dentro de vuestros temas?
Bueno, yo creo que si hay tristeza en el sonido global de nuestra música. Incluso en las letras puede haber momentos tristes. Probablemente sea porque evoco nostalgia sobre mi pasado y sobre el pasado en sí mismo. Pero no es lo principal, te lo aseguro

En algunos momentos se siente alguna repetición instintiva de items dentro de un tema con guitarras que parecen estar paladeando constantemente un rico manjar, ¿esto es premeditado dentro de Cold Pumas?
¡Qué maravilla de frase! ¿Cuál es el manjar delicioso? ¿Un rico licor?! Podríamos decir que sí y no. La repetición es importante, ya que es una característica inherente en nosotros (hasta cierto punto algo que ocurre por defecto) porque estamos comprometidos con ella como punto de partida, pero sin embargo, en referencia a la idea de cambios alrededor, sí hay una premeditación que quizás hemos aprendido desde los primeros días como un excusa para encontrar “la canción”. Incluso si las partes repetitivas son más minimalistas y concisas pero… lo siento, no puedo seguir teorizando más sobre nuestra música!

¿Cambiasteis cosas durante la grabación del disco a la idea general que llevabais de este trabajo o esta plasmado con la idea base que teníais pensado?
Grabamos algunas demos iniciales antes de entrar a grabar pero en esencia se trata de una versión muy próxima a lo que hacemos en directo. Creo que la parte difícil fueron nuestras opiniones colectivas sobre cuánto tendríamos que sacrificar para conseguir este sonido descuidado. En algún momento hablamos sobre la poosibilidad de grabar en Canadá con Chad Vangaalen, con quien ya habíamos tocado y que grabó los dos discos de Women (amigos nuestros y una de nuestras bandas favoritas) ya que se ofreció a grabarnos el disco. Supongo que cuando eso no pudo ocurrir por razones logísticas y financieras, decidimos intentarlo con John Hannon -que es un tío fantástico- en su No Recording Studio.

¿Qué me podeis hablar del tema “Vanishing Point”?
De alguna manera sólo son sólo dos piezas pegadas de una forma casi casual, pero de otra (la “correcta"), fue como utilizar la repetición junto a la simplicidad de bandas como Yo La Tengo o My Bloody Valentine. Créeme, lo intentamos de muchas maneras pero finalmente resultó de un modo más ingenuo que el resto. La parte final es algo que une a Cold Pumas con la banda anterior de mi hermano y mía, The Light Sleepers, aunque irónicamente Dan escribió la secuencia. Esa es la parte mas directa e implacable del álbum, capas sobre capas de guitarra.

¿Del tema “Sherry island”?
Tengo la sensación de que ese fue uno de esos raros momentos donde todo era fácil, gracias a Dios, aunque probablemente estoy equivocado. Líricamente la canción es un homenaje a la isla de Sherry dónde está basado uno de los cuentos cortos de F. Scott Fitzgerald (y no un homenaje a The Stone Roses como algún crítico ha dicho por ahí!). No está basada en un hecho real. Es un juego de palabras repleto de referencias decadentes en el estilo que Malkmus suele intrepretar

¿Por qué habéis escogido como primer single “Sherry island?
No es exactamente el primer single. Fog Cutter fue lo primero que editamos del álbum pero Sherry Island fue la escogida para realizar el vídeo. Gracias eternas al maravilloso cineasta Phil Whitby!

“Persistent malaise” tendrá una continuación en Cold Pumas en otro trabajo en este mismo año y ¿habrá una evolución de sonidos en los temas nuevos?
No podría confirmártelo pero Oliver y Dan han estado escribiendo algunas cosas que todavía no he escuchado. Me mudé a Londres en noviembre, así que justo después de la edición del álbum hemos hecho una pausa. Ahora mismo no tenemos una fecha en la que volveremos a componer, pero estoy seguro que eso surgirá de manera espontánea en el local de ensayo muy pronto.

Estaréis en Madrid el próximo día 6 de Abril en la Sala Nasti, ¿cómo va a se ese concierto?
Dímelo tú! ¿Una locura? ¿Una bendición? Con total honestidad te digo que estamos entusiasmados con la idea de conocer nuevos territorios y estoy seguro de que el show de Madrid será muy especial. Al menos muy divertido, eso seguro!

Muchas gracias
Gracias a tí. Nos vemos en Madrid!

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